Архив форума домика "Фотошкола"

Симона Хельд живет в Германии.

Она создает необычные фотоманипуляции со снимками при помощи фотошопа.

В результате получаются концептуальные и сюрреалистичные работы.

В каждой своей работе Симона закладывает смысл, который любой зритель может истолковать по-своему.

Главное, что ее привлекает это возможность создавать свои собственные миры.

Еще одна работа.

И на камнях растут деревья.

Похоже на отчаяние.

Вот также и в деревнях идешь, а по центру телефон. Только позвонить нельзя, ибо только по карточке работает.

Может быть так выглядела Атлантида...

Погреться это хорошо...

Другие работы можно посмотреть в инете.

Но не моё это... честное слово...
Вот посмотрела все фото, вроде бы могу дать своё объяснение... видение так сказать,
но всё с натяжкой...
А вот это фото, ты меня извини, вообще не могу понять...
какой такой концептуализм и сюрриализм в нём?... не понимаю...

В сюрреализме у каждого свое восприятие.

Прям ваще без чувства юмора...))) Не напрягайся, всё будет хорошо!...

13 января 2013 научно-популярному географическому журналу National Geographic, основанному в 1888 году, исполнилось 125 лет.
Сегодня издание выходит на 26 языках и его аудитория более 40 миллионов человек.


1964 год. Встреча с шимпанзе в заповеднике в Танзании.

Императорский пингвин, на спине у которого закреплена камера Crittercam, разработанная морским биологом и сотрудником National Geographic Грегом Маршаллом, становится тайным видеооператором National Geographic.

американские исследователи А. Стивенс и О. Андерсон на стратостате Explorer-2 достигли высоты 22 066 метров. Это рекорд высоты продержался 21 год.

Во время экспедиции в мексиканский штат Веракрус были найдены колоссальные каменные головы, свидетельствующие о древней цивилизации ольмеков.

Журналист National Geographic в своем австралийском "офисе" за работой на печатной машинке.

Томас Аберкромби - первый фотокорреспондент журнала, достигший Южного полюса.

Ущелье Олдувай называют местом самых богатых раскопок доисторического периода.

Первая американская команда взбирается на Эверест.

Титаник на дне Северной Атлантики.

National Geographic снимает новый фильм о дикой природе в Ботсване.

Путешественник возле своей палатки в Мачу-Пикчу в перуанских Андах.

Гилберт Х. Гросвенор (Gilbert H. Grosvenor), первый редактор журнала "National Geographic Magazine", трудоустроенный на полный рабочий день, пробуждается после ночного сна под огромной секвойей во время своей первой поездки в горы Сьерра-Невада, Калифорния. После этой поездки Гросвенор лоббировал принятие закона о создании Службы национальных парков США в 1916 году.

Фан Хо родился в 1932 году в семье кинорежиссера, в Шанхае, позднее его семья переехала в Гонконг.

Именно там маленький Фан Хо при помощи подаренного отцом Rolleiflex и сделал свои первые кадры.

В 50-х и 60-х активно работает и фотографирует.

А с 1956 приходит в кино. Он снялся в 15 фильмах и снял 11 картин.

Сегодня Фан Хо известнейший китайский фотограф, режиссер и актер, имеющий множество титулов и более 280 наград.

Он обладает необыкновенным чувством композиции.

Фотографии Фан-Хо широко собраны и выставлены в Европе и Азии, а также находятся в многочисленных частных коллекциях.

Фан Хо является автором пяти книг, одна из которых содержит полный перечень всех его наград, титулов и побед.

Фан Хо сейчас живет в Калифорнии, но постоянно летает в Гонконг и на Тайвань, где руководит съемочным процессом.

Другие работы можно посмотреть в инете.

Хенгки Коентжоро (Hengki Koentjoro) родился в 1963 году в Семаранге, Индонезия.

Окончил Brooks Institute of Photography в Санта-Барбаре, Калифорния.

В настоящее время Хенгки живет в Джакарте.

Снимает пейзажи и океан.

Движение воды на длинной экспозиции и немного недодержан фон. И сказочная картинка готова.

Увидеть интересное и выделить его. Иногда сама природа делает декорации.

Съемка в туман всегда интересно. Природа естественно создает пространство с глубокой перспективой.

Если повезет оказаться на высокой точке можно сказать половина дела сделано. Осталось только выделить в кадре смысловой центр.

То же самое можно сказать о спокойной водной глади.

Вопрос цвета в пейзаже спорный. Иногда без него картинка пропадает. Иногда наоборот появляется.

Любимый цвет молодого турецкого фотографа по имени Anil Akkus - белый.

Мастерски направленное освещение рождает необходимые тени оттенков серого, а те, в свою очередь, придают белым объектам на фото объем и делают их видимыми на белом фоне.

Предлагаю посмотреть серию белоснежных работ Anil Akkus.

Белое на белом снять не так и сложно.

Чаще всего автоматика фотоаппарата сама справится с этой задачей.

Но выставить свет и найти интересный ракурс здесь уже придется приложить некоторые усилия и знания.

Другие работы автора можно посмотреть в инете.

Удачные семейные кадры...
Я думаю, многим понравится... и это можно повторить...

по носам детским не поняла... на кого они похожи всё таки...)))

можно качелики заменить люстрой!)))

очень красивое фото...

что скажет Андрей по поводу этого фото...)))

дочки...)))

счастливый отец...

да, оно креативное, но мне совершенно оно не нравится...

очень удачное, только чуть-чуть радости и улыбок...

отличное фото...

тоже мне не нра... а где лица я вас спрашиваю?)))

коронное фото!... чтобы всем так было!)))

По поводу 5 фото скажу, что это реклама обуви для деревенской местности..

Ян Шольц - родом из Гамбурга, Германия. Сейчас живет и работает в Брюсселе, Бельгия.

Начал заниматься портретом и модной фотографии в качестве хобби. Сначала это были работы, деланные на цифровую камеру, теперь же Ян с удовольствием экспериментирует с пленочными камерами разных форматов.

Работа 1

Просмотрев работы этого фотографа, я нашел очень много интересных работ, но так же много компоновочных ошибок, как нежелательно фотографировать людей. Предлагаю попытаться ответить, в каких работах допущены ошибки и какие? Что можно было бы сделать, чтобы исправить или уменьшить их.

Работа 2.

Работа три.

Работа четыре.

Работа 5...

Работа 6...

Работа 7...

Работа 8...

Работа 9...

Работа 10...

Работа 11...

Работа 12...

По второй работе... )))
Я конечно пока не волшебница, я только учусь...)))
Но мне мне кажется, здесь лицо нечёткое, фон "молочный"... расплывчатый, не видно главное, на чём должен быть сделан акцет... это лицо... центр внимания...
Не знаю, смогла ли я правильно донести свою мысль?...
Потом, я совершенно не терплю "обрезанных" ног в фотографии в полный рост...
Мне кажется, здесь очень неудачное фото...
если бы девушка была в полный рост и в чётком изображении черт лица, было бы лучше...
А так, я своё внимание, всё время взгляд направляю на её ладони...
почему то это больше сакцентрировано на фото...
)))

Фото нормальное по постановке...
Но мне кажется, что нужно было фотографу ближе подойти к столу...
чтобы не было видно этого края стола...
Мне кажется, фото было бы более пропорциональнее... объёмнее... ближе...
)))

Хорошее фото по постановке... вроде бы всё хорошо, но что-то не так...
Мне кажется, здесь девушка виновата... на ней дурацкое белье...
я про его цвет...
Надо было одеть бельё одного контрастного цвета... было бы ярче...
я бы сказала, сексуальнее...
)))

вроде бы, на первый взгляд фото нормальное, я его два раза смотрела... но...
что-то в нём не так...
А вот что?...
Может, я ничего не пониманию, но мне кажется нет в кадре центра...
неудачно расположены предметы интерьера... я всё время смотрю на кресло, а потом, на девушку...
Да и девушка... тоже не айс, если честно, но к сожалению её мы не обсуждаем)))

Очень хороший портрет... но я бы немного... чуть-чуть поправила бы чёлку волос девушки...
Глаза... Глаз девушки не видное, а это самое главное в портрете, в данном случае...

Извини, но мне вот так видится мир!)))
Поясни, если я в чём-то неправа!
Спасибо за фотоконтрольную работу...
А ты видел мои фото в прицепе? ...
Это мой внук фотографировал... Скажи, если у него способности?..
Если есть какие-то... я бы подарила ему фотоаппарат...)))

Смеяться не буду. 5 за смелость! :)

2 фото: акцент может быть сделан и на фигуре, что и сделано. Окно ее обрамляет, а засветка лица получилась скорее всего при вытягивании фотографии. Это все приемлемо. А вот руки здесь действительно обращают на себя внимание. Чем? Удачно они получились или нет? Каково распределение масс на фотографии?

4 фото: Да, снизу действительно много лишнего пустого пространства.

5 фото: потерпевшую в полиции распрашивают: вы видели водителя, который вас сбил? Нет, лица я не видела, но на ней была дурацкая синенькая шляпка... Что скажешь про поги модели, низ фигуры?

8 фото: девушка сидит на мягком диване. Что в результате этого стало с ее бедрами?
Кресло не в фокусе, на крупной работе взгляд уйдет с него на девушку.

10 фото: да, действительно глаз лучше было бы открыть. Как кадрирование снизу? Лямка на левом плече отрезает руку, делает ее инородным предметом.

Аккаунт не доступен для просмотра. Прицеп посмотреть не могу.

А ты постучал бы три раза... )))

Азия всегда была для нас чем-то одновременно пугающим и пленительным. Нас притягивает культура, настолько отличная от нашей, но именно это одновременно вселяет в нас страх.

Молодой фотограф из Мьянмы Min Htike Aung в своих невероятно красивых показывает, насколько восточные страны одновременно просты и красивы, и доказывает туда обязательно нужно съездить.

Восточные цивилизации, древнейшие в мире, словно хранят в себе какую-то тайну, следы которой можно уловить и в образе жизни людей, и в культурных памятниках, и в пейзажах.

И никто не поймет ту или иную часть света лучше, чем её житель.

Min Htike Aung фотограф из Мьянмы, родился в 1987 году.

Творческий путь парня пока только начался, и известно о нем немного. Карьеру фотографа начал в 15 лет. С тех пор его дела идут в гору.

Он присоединился к местному сообществу фотографов, получил ряд международных премий.

Самый большой интерес для него, разумеется, представляют фото внешнего мира, тех стран востока, по которым он путешествует.

Есть в этих пейзажах и портретах что-то, резко выделяющее эти работы из других подобных.

Вероятно, это связано именно с таинственностью культуры, выросшей на территории древнейших цивилизаций мира, и с тем, какие необычные и одновременно простые в этих местах люди.

Другие работы смотрим в инете.

Нильс Йоргенсен родился в Дании в 1958 году.

Nils Jorgensen необычный лондонский фотограф. Его основное увлечение - уличная фотография. Вот уже несколько лет он ходит по родным улицам Лондона и ищет свои кадры.

Нильс считает, что на его развитие как фотографа, огромное влияние оказали родители. Его мама была художницей, и своё детство Нильс провел в "обществе" её полотен. Он был причастен к процессу создания картин.

Он становился невольным свидетелем того, как из пустого холста рождалось настоящее произведение искусства. Нильс утверждает, что основным детским воспоминаем для него является то, что мамина живопись и его жизнь были прочно переплетены.

Его отец был доктором, а в свободное время - страстным и "колким" фотографом. Именно он посвятил Нильса в мир фотографии, именно он дал первый фотоаппарат в руки сына.

И этот фотоаппарат до сих пор с нашим главным героем. И вот именно эта необычная смесь живописи и колкой фотографии стала основой для творчества Нильса.

Его фотографии необычны. Да, впрочем, и жанр его работ тоже не вполне тривиален. Особенно в наше время, когда все люди, умеющие фотографировать, стремятся направить это умение только на зарабатывание денег и привлечение мимолетной славы.

Нильсу не нужна слава, не нужны ложные атрибуты успеха. Ему не интересно фотографировать киноактрис, политических деятелей или просто полураздетых моделей.

Он обладает одним даром - умением ВИДЕТЬ. Он видит прекрасное и необычное там, где мы даже не можем себе представить.

Он может рассмотреть красоту и веселье в обычных прохожих, дождливых улицах и пустых парках.

Он может найти иронию, улыбку, счастье или слёзы просто посреди бульвара.

Нильс находит своё искусство в том, в чём мы, обычные прохожие, видим только серость и обыденность.

Другие замечательные работы автора смотрим в инете.

люблю такие кадры...

Нина Лин (1909-1995) родилась в России, потом жила в Европе и США.

Там она начала заниматься анималистической фотографией.

В 1939 году переехала в США.

Она стала одной из первых женщин-фотографов журнала Life, прославившись благодаря серии фоторепортажей про нравы и обычаи американского общества.

Среди этих работ есть и постановочные, и репортажные, но не всегда можно угадать, где какая.

Одно ясно точно они все женственны, естественны и изящны, и фотографу удалось показать это.

Хотя Нина снимала моду, тем не менее многие из ее снимков можно взять за пример, как снимать на улице.

Не столбиком у памятника, я здесь был, а органически вписанным в пространство.

Правда надо признать, что и наличие стиля в одежде у портретируемого тоже немаловажный фактор.

Другие работы автора можно посмотреть в инете.

Но даже у известных авторов не обходится без косячков: так кадрировать нельзя. Ноги у женщины получаются как у кобылки тяжеловоза.

Еще один пример неудачного кадрирования. Формально, обрез ног по нижнему краю одежды верный. Но из за длинной юбки и мысленного продления ног нижняя половина женщины кажется непропорционально вытянутой. В этом случае было бы лучше снять модель в полный рост.

Мне нра такие фотографии... они стильные... деловые... красивые и немножко документальные)))
Я тоже терпеть не могу когда ноги обрезают или голову на фото)))
И ещё... нада же... у них уже в то время были капроновые колготы... ужс...
а у нас они появились в восьмидесятые годы кажется...

Друзья, поздравляю вас с наступающим Новым Годом! Пусть он принесет много удачи и здоровья, исполнение всех желаний и тепло домашнего очага. Всего самого хорошего в новом году!

Спасибо тебе за поздравление!... Я принимаю его!)))

И я желаю тебе!...
Для тебя, всё!... Всё, что важно тебе в этой жизни... и успешность... и удачливость...
и результативность... и многое другое... личное... то, что необходимо в жизни...
пусть это будет у тебя!...

пысы))) какие ж бабы дуры... когда такие мужчины как ты... ещё свободны...

с Новым годом!!! любви. счастья, удачи в делах и успехов!!!

Фотограф Нюколя Рюэль...


Начиная с 2007 года...

известный фотограф Нюколя Рюэль...

свои путешествия

необычным способом.

он нажимает на кнопку затвора...

в течение 8 секунд,

(короткая выдержка 1500)...

получила широкое признание,

на многих выставках

в Европе... Канаде и США...

если честно, то фото мне не понравились...
техника мастерства впечатляет, но сам сюжет в кадре нет...
8 секунд... и правда, не думай о секундах с высока!)))

Спасибо Италия. Фотографии действительно на любителя.

Фото дня... Японские макаки греются у костра...

гыы))) вот только не пойму : костёр они тоже для себя сами разожгли?)))

Сегодня посмотрим работы замечательного фотографа Эллиотта Эрвитта. Это чисто художественная фотография, с тонким юмором, присущим автору. Приятного просмотра.

Эллиотт Эрвитт родился в 1928 году в Париже в семье русских беженцев.

Первые 10 лет своей жизни он провел в Италии, однако в 1938 году семья, спасаясь от фашистского режима уезжает в Америку.

Здесь Эллиотт увлекается светописью, изучает фотографию и кино в Лос-Анджелесе и Нью-Йорке.

Фотокарьеру Эрвитт начинает в 1950-е годы в качестве помощника фотографа в армии США, Германии и Франции.

Тогда же знакомится с Эдвардом Стейхеном и Робертом Каппой.

После работает для журналов Colliers, Look, Life and Holiday.

В 1953 Эллиотт Эрвитт становится членом агентства Magnum Photos.

Наибольшую популярность Эллиоту Эрвитту принесли его черно-белые снимки.

Каждая фотография разная, но все объединены одним - юмором, живостью, эмоциональностью.

Как говорил сам Эрвитт: "Я хочу, чтобы изображения были эмоциональными.

Мало что другое меня интересует в фотографии".

Другие работы автора смотрим в инете.

Интересно, а хоть кто-нибудь посмотрел другие работы в инете после просмотра темы?

щас будут каникулы... посмотрим всё)))

Размещаем в этой теме фотографии, которые хотелось бы разобрать, что верно, что нет. Не более 1 фотографии в неделю от каждого участника. Тема актуальна до 30 постов.

Вечером надеюсь добавлю очередную тему с подборкой фотографий.

Дамьен Вассар француз бельгийского происхождения.

По профессии инженер.

новые порции))
(села с поп-корном))

С детства занимался рисованием и музыкой.

В фотографии главная его страсть пейзажи, в том числе городские.

Горчинка, только громко не хрусти.

Дамьен считает, что наиболее выразительны они в черно-белом исполнении.

Сегодня перед вами Париж.

Немного мрачный, даже готичный, но бесконечно привлекательный и на удивление безлюдный.

Вот еще один интересный пример съемки на длительной выдержки.

С ее помощью автор добился во первых безлюдности...

Во вторых необычности фотографий.

В них сочетается монументальность и незыблемость зданий в сочетании с течением времени, выраженном в движении воды и облаков.

Вот оно время, сжатое в миг...

Другие работы автора можно посмотреть в инете.

что это фото!..))
на графику похоже..))

Это действительно фото, причем практически без фотошопа.

удивительно!!

Лучшие фотографии России 2012...

Друзья. автор Сергей Анисимов... Отличный кадр!

Сибирская пробежка.


Вот зима... так зима... такое чудо только в детстве помню...

Схватка...

И зачем?... пробежала бы мимо...

Задержание.

Здесь, в Приколах была эта фотка...

Лебединое озеро.


Ой, я уже заманалась вставлять... есть хочется... тоже...

Гагарин.

Совсем на Юрку не похож...

Застолбил.

Крот.


Не люблю хомяковатых... но... нося впечатляет... и ручки такие... )))прелесть
Но... в руки ни=за=что=бы не взяла... аха...

Байкальский пейзажи.

Такая фотография прелестная... Есть в ней что-то такое...
Всё таки и коровы бывают... в смысле, выглядят эстетично... не все правда...

Поехали!

Он сказал..."Поехали"... и взмахнул рукой!(с)

Снежка.

Я бы назвала... Со службы...))) не знаю почему...

Улитка и капля дождя.

Это последняя фотка... я думала незакончатся...))) есть хочу со страшной силой!)))
Кста... улиток я едала... отведывала... вкушала)))

Некоторые снимки мне очень понравились, и вообще подборка отличная. Особенно мне понравилось то, что фотографии эти -такие разноплановые!

После просмотра фотовернисажа у меня возникло вот такое предложение к хозяину домика и всем его обитателям: а давайте выложим здесь по 2-3 своих любимых снимка? Именно тех, что сделаны самостоятельно и кажутся авторам особенно удачными?
А Андрей, как профи, оценит их и, быть может, что-то подскажет по ракурсу, композиции и др. вещах, в которых он- дока.

Это конечно, отличная идея!
Я думаю, что Андрею она бы понравилась, не знаю только, располагает ли он сейчас свободным временем?
У меня нет таких фото, потому что я не фотографирую... нечем...)))
А вы, попробуйте, разместите свои фото, и не одно, а сколько хотите...
Мы посмотрим,... тоже чего-нибудь скажем, пока Андрей молчит...)))
А он потом обязательно, поверьте, выскажет вам своё мнение, свой взгяд на...
Давайте!

Да Италия, ты была в ударе... Спасибо. Тоже не все понравилось, но есть и интересные снимки.

Акация: пробовал уже. Два человека всего то и поучаствовали. Большинство хочет ахов от просмотра их фотографий, а не разбора. Но еще раз попробовать можно.

Фотопроект Best of Russia 2012 запечатлел ещё один год из жизни России в самых интересных и ярких фотографиях.
В проекте может принять участие любой гражданин РФ, увлекающийся фотографией, как признанный фотограф, так и фотолюбитель.
Единственное условие - фотографии должны быть сняты в России...
(с)

За почтой. Алексей Фокин

Лето пришло...

Льды Кавказа...

Лес...

пысы... клещей наверное, там жуть... непроходимая)))

Фотография без названия...

Моя версия звучала бы так...)))... Что там в этом мире чУдном?...

без названия...

моё... Воскресение,... в том самом смысле... ну, мне так хочется...

У предыдущего фото есть название... сорри... и автор другой...
Растяпа какая...
вот...
Сторожевский рассвет. Александр Степанов

В Зазеркалье...

Открытие главного символа Владивостока.


Вот жуть то... чё та я представила как всё это рухнуть может...
почему я так представила?... не знаю...

Шихан.

Не знаю, что такое Шихан,...
Но что-то подсказывает мне моё чутьё, что ничего хорошего в этом нет...
одно одиночество...
)))

Тысяча стволов.

Размещу все фотоработы... чтобы вы смогли согласиться (?) с действительностью, что эти работы признаны и являются лучшими...
Я смотрю вместе с вами по порядку...
выскажусь позже...)))

Крещенское купание в реке Нерль.

Просто необычно как прелестно... не постановочно... эмоционально... супер!

Опять синяк, а завтра в школу.

не вставила...)))

Осень.

Как же я люблю осень... очей очарованье... но я не про фото, оно как раз не в моём вкусе)))
провода... столбы... а вот поляяя... это да!

Хрустальная стрекоза.

гыы))) Я бы сказала... засахаренная...)))

Метель.

Модератор "говорит" , что очень кратко...)))
Что же мне добавить к Метели?...
Зиму - люблю..., но не метель, а по коням я не специалист, тут место для Горчинки...

Гимнасточки.

Просто прелестная фотография...)))

Ульяна.

Хорошее портретное фото, и Ульянка хороша, какой задор во взгляде... Жизнь!

Мамонт.

Если честно... я что-то не очень поняла... что здесь?!...
Видимо, Мамонты они такие...)))

Дети и лето.

Прекрасный снимок, в смысле кадр!...
Я тоже помню своё детство... детсадовское... до мелочей всяких...))) Как хорошо было...

Одиночество.

Совершенно не подходящее название...
Не люблю постановочные кадры... вообще, всё неестественное... исскуственно созданное...

Крымс. Свидетели.

Без названия. Законодательное собрание Пермского края.

Заглохнувший БТР.

Октябрь.

Опять модератор "просит"...

Октябрь - тоже осень))) Мне нра... коровы... и вообще, вся скотина...

Веер синицы.

Однажды... зимой это было... как водится, я спасла синицу!
Она замёрза, как прочем и я сама, но меня никто не смог взять в руки... и отогреть...
Я думала, ей всё - кирдык...
Держала долго её в своих руках... дышала на неё...
Полетела...

Полиция.

Я вот только не пОняла... он передом стоит... или простите, спиной?)))

Жизнь удалась!

За водой.

Вот, одна из фото, которую я бы не назвала лучшей... ну, пусть... жюри виднее)))

Делать пейзажные фотографии не так просто, как это может показаться на первый взгляд.

А сделать их такими, чтобы аж дух захватывало задача еще более непростая.

А вот фотограф из Индонезии Бобби Бонг вполне с этой задачей справляется.

В предрассветные часы или на закате он делает с берега невероятные по красоте снимки, (фотоаппарат - Canon EOS 7D, объектив - Canon EF-S 10-22mm) часто прибегая к длинной выдержке.

Их особенность заключается в том, что в каждой фотографии содержится свой глубокий смысл и то, насколько натуральными он их делает, заставляют почувствовать зрителя, что можно протянуть руку и дотронуться до камней или песка на пляже.

Небо на снимках переливается яркими красками, а волна баюкает берег.

Рай на земле ничто и никто не омрачает, остается только любоваться, как вода камень точит, в то время как камни делают вид, что спят.

Другие работы можно найти в инете.

профессионалы...
Красивые фотографии, но только красота эта какая-то неестественная.
Слишком уж "причёсанная", отфотошопленная
Такие фотографии, ИМХО, хороши в качестве иллюстрации к фантастическим рассказам о полетах на другие планеты. Наша Земля - гораздо проще, но ничуть не менее прекрасна.

Согласна немного с Акацией...
Булыжники не греют душу...)))

чужие булыжники...)))

В том то и дело, что фотошопа тут не много. Такой эффект достигается за счет длительной выдержки. А восприятие... у каждого свое. Можно научиться ценить работы в некоторых жанрах, но при этом все равно оставаться к ним равнодушным.

хочу хорошим настроением!)

.. хранилище души..

хочется смотреть...

пожелать всем нам любви...

... лучше вот так...)))

Хорошие... простые фото... о главном...

Спасибо Горчинка. И все таки акцент на лошадях... :)

лошади - это её любимый конёк...)))

На днях с удовольствием посмотрел новый мюзикл "Остров сокровищ". На правах рекламы размещаю информацию о нем в группе. Репост приветствуется.
Информация и контакты - в прилагаемом файле. Стоимость билетов от 500 до 2500р.

Мюзикл представляет собой свободную интерпретацию романа Стивенсона "Остров сокровищ".

Начало очень близко к тексту автора.

Но затем фантазия авторов мюзикла берет свое...

В нем появляется новый персонаж, новая линия...

Великолепные анимированные декорации кажутся живыми и реальными.

Динамичный сюжет и много танцев с элементами каскадерских и акробатических трюков...

Великолепная игра актеров...

И мастер восточных единоборств Бен Ганн...

Мюзикл рассчитан на детей, но с таким же интересом смотрится и взрослыми...

Во время антракта можно пройти мастер - классы с аниматорами, поучаствовать в конкурсах...

Короче, рекомендую посмотреть. :)

Спасибо... может быть...

Работы фотографа Арно Рафаэля Минккинена напрямую касаются человеческого тела: его возможностей, недолговечности и в особенности его взаимоотношений с природой.

Хотя тема сама по себе не нова, но автор подходит к ее раскрытию довольно своеобразно, поэтому с его творчеством однозначно стоит знакомиться.

Фотограф родился в 1945 году в Хельсинки (Финляндия), но живет в США с 1951 года.

Окончив Вагнер колледж с дипломом бакалавра английской литературы, Минккинен первое время занимался копирайтом, но впоследствии увлекся фотографией.

Его первая серия черно-белых автопортретов в стиле ню появилась в сентябре 1971 года.

Несколькими годами позже автор стал магистром фотографии, окончив Rhode Island School of Design.

"Если бы на мне был хоть один клочок одежды это была бы фотография моды.

Был бы рассказ о рубашке, галстуке, пиджаке или туфлях.

А обнаженность немедленно связывает меня с природой. Связывает с обнаженностью воды, деревьев, камней. И неба.

Это просто нормально и естественно.

Также это всегда я, потому что я не хочу просить никого раздеваться на морозе или свисать с обрыва... Нужно быть обнаженным в любую погоду в любых условиях."

В настоящее время Арно Рафаэль Минккинен профессор искусств University of Massachusetts Lowell, а также доцент University of Art Design Helsinki.

Его работы публикуются и выставляются во всем мире; фотографии автора находятся в коллекциях Музея современного искусства (Нью-Йорк), Музея изобразительных искусств (Бостон), Музея современного искусства (Париж), Национального центра искусства и культуры имени Жоржа Помпиду (Париж), Токийского музея фотографии (Токио) и других.

Я так и не пОняла... этот ракурс)))

На коленях на носу лодки, голова наклонена вперед, руки отведены назад. Маленькое фокусное расстояние.

ЛАРА ДЖЕЙД-всемирно известна как fashion, портрет и коммерческий фотограф. Одной из отличительных черт работ Лары является ее способность передавать цветом изображения элементы романтизма, фэнтези и даже тьмы.

Ее уникальный стиль определился еще когда она впервые взяла в руки камеру в возрасте 15 лет. Тогда она начала, экспериментируя, с автопортрев и фэнтези и по сегодняшний день продолжает работать и развиваться в этих направлениях.

Уже в 17 лет Лара организовала свой собственный небольшой бизнес - Lara Jade Photography. Начав с приема мелких клиентов, она довольно быстро поняла, как развивать коммерческую сторону своего бизнеса, чтобы суметь решить проблему высокого спроса на ее работы.

Лара продолжает развиваться и сотрудничает с ведущими брэндами и широко известными во всем мире журналами моды и фотографии.

В дополнение к своему коммерческому успеху Лара Джейд продолжает оставаться источником вдохновения для миллионов фотографов и художников, которые активно следят за ее творчеством.

В настоящее время она работает по всему миру и представляется ведущими агентсвами Лондона, Милана и Америки. Также Ларе посчастливилось заполучить ряд известных спонсоров, среди которых Canon, Bowens Lighting, Broncolor, Lensbaby, Wacom, Datacolor, и в настоящее время разрабатывает коллекцию сумок для фототехники для американского брэнда Naneu.

Также Лара в 2009 году стала победительницей Public Choice Award.

Помимо работы на свою обширную клиентуру и личную работу, она успешно преподает на собственных семинарах, обучая fashion и beauty жанрам.

Даже сегодня Лара неустанно стремится к совершенству и продолжает нарабатывать и совершенствовать свое портфолио.

Где то на Волге.

Ростов Великий. Спасо-Яковлевский монастырь. Панорама.

Остров Валаам.

Начало вечера над Волгой.

Горицы перед грозой.

Нижний под дождем.

Две радуги.

Карелия. Рускеала. Мраморный каньон. Грот.

Карелия. Остров Койонсари.

Карелия. Поселок Терву.

Карелия. Опять остров Койонсари.

Карелия. Мраморный каньон.

Там же... Ох эта краткость сестра таланта...

Калужская область.

На рыбалке.

Старая Ладога. Собор Рождества Иоанна Предтечи.
Вниз от собора ведет тропинка к источнику около реки. Недалеко севернее находятся курганы, в одном из которых, по преданиям, похоронен Вещий Олег. К сожалению об этом узнали уже позже...

Старая Ладога. Крепость Старая Ладога.
Большое возвышение стены дает великолепный обзор на живописные пейзажи устья реки Волхов.

Старая Ладога. Крепость Старая Ладога.
Рядом с церковью св. Георгия еще не восстановленная круглая башня, огромным колодцем уходящая к реке.

Приозерск. Крепость Корела.

Где то в Карелии.

пос. Кузнечное.

Там же. Подворье Валаамского монастыря.

Промокла и ушла Алёнушка.

Вечер в деревне.

Брусника. Хотя ходил за черникой...

А то Клаус Камперт... Бобби Бонг... Лара Джейд... нас и здесь не плохо кормят(с)))

Кста... Андрей!
Поздравляю тебя с прошедшим Днём Рождением!...
Конечно же желаю тебе, для тебя... всё для тебя...)))
Профессионального успеха... творческого роста и реализации своих идей, возможностей по-больше... и материальных в том же числе...
хотя, как говорят... хороший художник - голодный художник, но пусть всё будет в меру)))
Удачи во всём!...
Здоровья физического... в обязательном порядке... куда ж без него...
И счастья... и радости... и любви бесконечной=взаимной... удачи...
И пусть всё это будет всегда и никогда не кончается для вас... двоих!
!!!

Спасибо. И тебя тоже с прошедшим. Исполнения желаний, больших и маленьких, чтобы задуманное хорошо получалось.

Пару лет назад ко мне подошел знакомый и радостно сказал: "Фотоаппарат купил. Настрой, чтобы снимал классно!" Я засмеялся и поставил ему диск управления на зеленую зону (автоматический режим).

Этой осенью мне пришлось снимать в одной из московских школ. С завучем договаривались о съемке на улице, подгадывали хорошую погоду. Но когда утром пришел на съемку, учителя не захотели вести детей на улицу. Сказали снимайте здесь. А для съемки в помещении у меня с собой ничего не было.

По хорошему, при изменении условий съемки нужно было просто от нее отказаться или перенести на другое время. Но я все таки решил попробовать ее провести. Основная проблема была с фоном. Полностью свободных однотонных стен в реклеации не было. Использовал то, что было под рукой большой куст в горшке. Светом из окна создавал свето теневой рисунок. Вспышкой подсвечивал тени с другой стороны. Провел съемку 3 классов. 2 класса попросили перенести на следующий день.

На следующий день было немного попроще на стене уже висел белый фон, условия съемки были такие же.

И что мы получаем в итоге: фотографии первых трех классов можно выкидывать в помойку размыть куст до неузнаваемости не хватило оптики. Да и темный фон на школьной фотографии смотрится далеко не удачно. Съемку классов второго дня привел в нормальное состояние, но это потребовало больших временных и трудозатрат на обработку одной фотографии. Сначала приходилось выравнивать оттенки трех источников освещения: дневного света, света от вспышки (холодный) и лам накаливания (теплый, желтоватый), удалять видимые складки фона и только потом заниматься ретушью.

А потом была пересъемка. Пришел к учителям, объяснил ситуацию, что в первый день состав оборудования не соответствовал изменившимся условиям съемки. Предложил переснять. К этому времени мне вернули студийные вспышки, и не пришлось мучаться ставить световую схему от света из окна, да и по мощности света был хороший запас.

В итоге получились отличные фотографии, которые практически не пришлось обрабатывать: ровный свет, аккуратный световой рисунок на лицах складки фона сглаженные светом. Все что мне нужно было сделать это немного подкорректировать экспозицию и немного поднять резкость.

А мораль сей басни такова, что оборудование может быть сколь угодно классным и дорогим, но если оно не соответствует условиям съемки, результат или не получится, или придется потратить много времени на то, чтобы привести его в нормальный вид.


Кстати, видели когда-нибудь фотографии, где лица людей нормального цвета, а стены помещения на фотографиях насыщенного синего, холодного цвета? Причем реально стены покрашены нейтральными пастельными тонами. Вопрос на засыпку: как это делается во время съемки? Маски при обработке не применяются.

Ответ на следующей неделе.

потому что не имею вообще...))) Но... я про другое...
Андрей, какой же ты молодец... у тебя всё получится, не сомневаюсь!...
потому что ты... ты - настоящий... подходишь к любому вопросу качественно подготовившись,
делаешь всё на совесть... профессионально... переживаешь за результат...
Стрельцы... они такие! ...
Я знаю...

посмотреть хочется на результат...)))

У меня нет подписанных релизов на публикацию. А статья 152. 1 ГК охраняет изображение человека.

Во вкладках находятся работы в жанре ню. Если вам еще не исполнилось 18 лет, пожалуйста перейдите из этой темы в другую, не открывая вкладок.

Клаус Камперт (Klaus Kampert) фотограф работающий в жанре Ню, портрет, фэшн, родился в 1953 году проживает в Дюссельдорфе.

Работы этого автора интересны законченной, ярко замкнутой композицией и геометрическими построениями.

Фотографии ню у него не эротичны.

Клаус придерживается работы с формой, оставляя эмоции за рамками проекта.

Грамотная постановка света и работа с объектами.

Что еще нужно для хорошей фотографии...

Увлечение фэшн съемкой сказывается в попытках превратить обнаженное тело в некий непонятный объект.

Не знаю, насколько это оправданно, возможно желанием выделиться или снять не как все.

На мой взгляд, все эти поиски, хоть и интересны, но все же проигрывают добротному, красивому, естественному арт-ню.

чувствуется в этих работах глубинные проблемы автора.. вот честно..
(это мне мой диплом мешает воспринимать, если что))
как-то совсем не зацепил его стиль...

Не буду оригинальничать... согласна с Андреем, работы не сексуальны... не эротичны...
видимо, и не хотел автор делать на этом акцент...
здесь, скрытность его чувств, он - автор не выставляет их наружу...
он показывает формы... цвет... красоту тела... грациозность...
не для всех вообщем...

Глеб Тарро (Глеб Тарасенко) - 39-летний американский фотограф с русскими корнями.

Фотографирует с 15 лет.

Проводит фототуры, пользующиеся большой популярностью.

Большой поклонник дикой природы.

Чем интересны его пейзажи?

Сюжет основан на линиях.

Они немного абстрактны, но именно этим и притягивают взгляд.

Хороший пример пейзажа без ярко выраженного или необычного смыслового центра.

Снимая такой пейзаж, недостаточно обладать классическими знаниями.

На мой взгляд, у фотографа должно быть хорошо развито и абстрактное видение световых и цветовых пятен.

Попробуйте найти смысловой центр в фотографиях автора.

Где то он очевиден, где то нет.

и это всё настоящее?..)))

все настоящее.

Зимний пейзаж 1

Зимний пейзаж 2

Зимний пейзаж 3

Зимний пейзаж 4

Зимний пейзаж 5

Осенний пейзаж 1

Осенний пейзаж 2

Осенний пейзаж 3

Осенний пейзаж 4

Летний пейзаж 1

Летний пейзаж 2

И снова зимний.

В предыдущих темах я размещал работы многих хороших зарубежных фотографов. Да, может быть там почище, где то покрасивее. Но красота есть везде. Надо только ее увидеть.

Но... совершенно не радуют... извини, но пейзажи какие-то методичные...
)))

Есть в них что-то, на мой взгляд. Что-то просто, но доходчивое. Наверное каждый находит своё.

побольше бы таких работ...)))
обожаю матушку-Россию.
как же она прекрасна!!!
смотрю на эти фото и душа наполняется теплом..

В этой теме рассмотрим такое понятие, как взгляд фотографа.

Нас окружает множество вещей, на которые в обычной жизни мы просто не обращаем внимания.

Но тем не менее они могут стать персонажами интересных историй.

Где то ассоциативно, где то почти реально.

Влад Артазов смог увидеть историю, которую можно рассказать с помощью гвоздей.

Они имитируют людей, их жизненные ситуации.

Сама по себе съемка не очень сложная.

Но грамотная постановка и продуманная конфигурация гвоздей, а главное - видение автора, оживляют фотографии.

Она смотрится где то как пародия, где то как намек.

Но что самое главное эти фотографии с интересом рассматривают.

Рассматривают те вещи, на которые без взгляда автора не обратили бы ни малейшего внимания.

Другие работы можно поискать в инете.

Андрюш, спасибо за фотки!!!
давно интересного не выкладывал..
порадовал!)))
черно-белое фото просто обожаю!))

Каждую неделю по три серии выкладываю, а оказывается ничего интересного. Ну хорошо хоть эти понравились.

извини ради бога)))
я не отслеживаю просто!)))

взгляд на обыденность! Здорово получилось, местами- почти эротика)))

Конечно, спасибо))) за напоминание об эротике... даже железные гвозди не устояли)))

Темные, даже мрачные горные пейзажи Майкла Карца, наверняка понравятся любителям фэнтези.

Хотя суровый мир, запечатленный в работах автора, не многих оставит равнодушным.

Хороший пример того, какие работы может сделать путешественник, имея желание и небольшие знания по фотографии.

По себе знаю, что в походе такая погода не очень радует.

Хотя главное, чтобы сверху не лило.

С точки зрения фотографии хороша любая погода.

Просто для каждой погоды нужен свой сюжет, обстановка...

Немного завидую альпинистам, хотя знаю, что сам в горы не пойду.

На равнинах уютнее.

Другие работы автора можно найти в инете.

И еще пару работ.

Вот и вторая.

работы, спасибо!

Пожалуйста.

Ты знаешь, мне понравились эти работы... ... но когда их смотришь...
чувствуется...
такое...
... ощущение полного одиночества...

поискать тут орков..)))
сказочно и мистически получилось... нечто загробное... чистилище...))

Да, эти работы сравнивались с миром Властелина колец.

ну не верится мне, что это все настоящее... что это натуральные краски и цвета... )))

а я и не говорил, что здесь цвета абсолютно натуральные. Точно знает только автор, но мне кажется, что он добавил только немного затемнения, чем усилил мрачный эффект. А все остальное - натуральные съемки в плохую погоду. Посмотри на освещенность объектов: она естественна. Скажем сделать такую картинку из солнечного пейзажа при большом желании конечно можно, но довольно трудно, т. к. на ярком Солнце каждый предмет, каждый маленький выступ имеет тень. Причем глубокую тень. Там, где Солнце затенено облаками - теней нет. И обработка в этом случае сводится к тому, что в первую очередь нужно либо убрать тени, либо нарисовать их для каждого предмета.

Анна Беркоз родилась 24 июня 1972 года в городе Пушкине.

В 1989 году поступила в Государственный полиграфический институт на факультет "Технология печатных процессов". В 1995 году окончила институт.

Любовь к фотографии Анне передалась от отца, военно-морского офицера.

Первые свои снимки начала делать в тринадцать лет на фотоаппарат "Смена".

Но года через два Анна о нем забыла.

Лишь спустя много лет давнее увлечение опять возродилось.

Анне всегда нравились различные картины и фотографии.

Правда, рисовать Анна не умела.

Зато смогла самостоятельно освоить фотошоп.

Снимает Анна Беркоз дома, используя в основном оконный свет и отражатель.

Фон заменяет с помощью фотошопа и стилизует, усиливая эффект картины.

Анна также занимается коммерческой съемкой.

Рариндра родился в Индонезии в 1971 году.

Фотографией увлекся еще в начальной школе.

Окончил факультет графических искусств Индонезийского политехнического Университета.

Имеет профессию дизайнера.

Работает в газете в Джакарте.

Время от времени выступает на фотосеминарах и мастер-классах.

Поначалу Рариндра увлекался фотожурналистикой, но сейчас главные темы его творчества - люди и природа.

Его соотечественники любят фотографии, похожие на рисунки, и рисунки, похожие на фотографии.

Главная задача, которую ставит перед собой Рариндра, это объединение этих двух видов искусств в одно.

Работы великолепны и по цветам и по композиции.

Если сможете разобрать самостоятельно, почему работы этого автора так цепляют, то вполне возможно уровень ваших работ тоже возрастет.

Другие фотографии рекомендую поискать в инете.

Впервые работы американского фотографа и кинопродюера Брюса Вебера (р. 29. 03. 46) появились в конце семидесятых в журнале GQ, для которого он часто делал обложки.

Через некоторое время он стал известен как арт-фотограф и один из новаторов в области съемки современной мужской моды.

Широко известен он стал в конце восьмидесятых - начале девяностых, благодаря рекламным снимкам для Кельвина Кляйна. Это были черно-белые фотографии весьма откровенного содержания.

Чуть позже его снимки олимпийского атлета Тома Хинтноса в белых шортах, сделанные для Кляйна, стали культовыми.

Вебер стоял у истоков карьеры Изабеллы Росселини. Он снимал певца Криса Айзека в середине 80-х и сделал множество снимков Джастина Тимберлейка (в том числе юмористических).

Вебер также снимал зимнюю коллекцию-2006 для Ральфа Лорена.

Брюс Вебер долго работал фотографом для агентства Abercrombie Fitch, начав с каталогов, и был любимым мастером арт-директора Сэма Шэхида, разрабатывавшего кампании для Кельвина Кляйна.

Вебер занимался и кинопроизводством. Он снял короткометражные фильмы о боксерах-тинейджерах ( "Сломанные носы"), джазисте Чате Бейкере ("Давайте затеряемся"), о собаках и более длинный фильм "Chop Suey". Этот документальный фильм состоял из рассказов о джазовых певцах, путешественниках и мужчине-модели по имени Питер, которого Вебер тогда снимал.

Вебер нечасто делал цветные фотографии. Обычно предпочитал черно-белые или тонированные снимки.

Его фотографии издавались ограниченным тиражом. Самые знаменитые его альбомы - "A House is Not a Home" и "Bear Pond" - коллекция его ранних работ.

Кроме того, Вебер награжден нескольким престижными наградами: Getty Images, Lifetime Achievement Award, Clio Award for Recognition in Apparel (1986), the International Documentary Association Award for both Broken Noses (1986) and Lets Get Lost (1987), an ICP Infinity Award for Applied Photography (1993), and the 1st Annual Alfred Eisenstadt Award for portrait photography from Life Magazine (1998).

Вот это то... что надо!)))

работы фотографа Мэтта Моллойя...

Фотограф Мэтт Моллой создает необыкновенные изображения путем наложения нескольких фотографий (иногда счет доходит до сотен) в один кадр.

и раньше...

... для съемки звездного неба...

Моллой применил эту идею к дневной фотографии...

Я конечно не любитель таких фото... но... работы этого фотографа признаны потрясающими
Я наверное, ничего не понимаю...)))

может, и конечно же... эта техника наложения интересна...

ниразу...))) красиво? да... но не более...

в природе всё по другому... как-то спокойнее наверное, без агрессивной восторженности...
почитала комменты об этих работах: всем женщинам нравится... все в "Ох-ах" и Ах-ах")))
странно... наверное, я - не женщина...)))

Когда то коллажи создавались при ручной печати и требовали большой кропотливой работы. С развитием цифровых технологий их ценность несколько снизилась.

Серия фотографий "Отражения" от Гийома Годэ...

от Гийома Годэ... я не буду писать его автобиографические особенности... кому это надо?
а вот фото... плиз... размещу...

отражения в водных поверхностях...
мне опять никак...

через воду...

одно фото...

поверхностях...

придавая фотографиям особую многослойность и объем...

А отражения - отдельная тема. В них раскрывается взгляд автора. Можно банально снять лужу, а можно открыть в ней новый мир...
Спасибо Италия.

Фотограф Ларс Ван де Гур известен своими красивыми пейзажами.

Автор совсем немного редактирует работы, чтобы точнее передать естественную красоту природы.

Ларс Ван де Гур родился в 1964 году в Нидерландах.

Вырос в маленькой деревне, на ферме.

Изначально Ларс серьезно увлекался музыкой, но позднее он нашел себя в фотоискусстве.

Для красивой фотографии пейзажа нужен красивый пейзаж. Это понятно.

Но посмотрите на ряд решений автора.

Их оригинальность и нестандартность.

Может быть и просто, в целом получаются красивые фотографии.

Больше работ можно посмотреть в инете.

посмотрела...
красивые... но...))) Ты знаешь, что я хочу сказать...)))

Работы потрясающие, поэтому занимаю всю тему.

Всемирно известный фотограф, один из основоположников публицистической и социальной фотографии, "летописец" русской жизни конца XIX века. Максим Дмитриев родился в 1858 году в Тамбовской губернии и получил образование в церковно-приходской школе, где считался одним из лучших учеников. По окончании школы мальчику пришлось самому зарабатывать себе на хлеб: он читал псалтырь над покойниками, плел корзины на продажу.

Наконец, благодаря усилиям матери, желавшей дать сыну хорошее ремесло, в возрасте 15 лет Максим Дмитриев поступил в ученики к известному московскому фотографу М. П. Настюкову.

Именно там мальчик впервые познакомился со светописью, а также приобрел весьма полезные для фотографа того времени практические навыки, научившись вымачивать фотопластинки в азотной кислоте, обрабатывать их нашатырным и этиловым спиртом, наклеивать и ретушировать фотографии. С учителем будущему фотохудожнику очень повезло: Настюков был успешным предпринимателем, фотографом императорского дома и активным творческим человеком, изучавшим памятники национальной архитектуры, фресковую живопись и предметы древнерусского быта.

В его мастерской в распоряжение начинающего фотографа попали многочисленные художественные альбомы и гравюры, которые значительно расширили творческий кругозор молодого человека. Здесь же будущий фотолетописец Нижнего Новгорода впервые заочно познакомился с этим городом и его знаменитой ярмаркой, где М. П. Настюков с 1860 года имел собственную лабораторию.

Наставник поощрял в молодом художнике постоянное стремление к познанию, которое привело Максима Дмитриева в воскресные рисовальные классы Строгановского художественного училища, где он освоил основы работы со светом и тенью, а также азы перспективных построений.

В 1874 году 16-летним юношей Максим Дмитриев впервые отправился в Нижний Новгород, чтобы работать в фотопавильоне своего наставника на Нижегородской ярмарке.

Путешествие в Нижний Новгород оказало на юного фотохудожника огромное впечатление и стало судьбоносным: именно здесь Дмитриеву посчастливилось встретить известнейшего нижегородского фотографа Андрея Осиповича Карелина, лауреата нескольких международных выставок.

Три года спустя молодой человек отказался от контракта с Настюковым и переехал в Нижний Новгород, чтобы начать работу у одного из самых способных учеников Карелина, Д. Лейбовского, основательно усвоившего манеру и виртуозную фотографическую технику своего учителя.

Наконец, в 1879 году исполнилась заветная мечта молодого фотографа: ему было предложено место в фотоателье Андрея Осиповича Карелина. Работа с известным фотомастером способствовала окончательному формированию творческих способностей Дмитриева, а кроме того дала необходимые материальные средства для создания собственной фотомастерской, которая и была открыта в 1881 году.

Впрочем, разногласия с деловыми партнерами скоро заставили Максима Дмитриева выйти из предприятия, и художник еще несколько лет "скитался" по фотографиям Орла и Москвы прежде, чем предпринять новую попытку открыть собственное дело. И на этот раз попытку весьма успешную сохраняя в душе благоговейное отношение к фотографии, молодой художник обнаружил необходимые для процветания предприятия прагматические качества и деловую хватку.

Избалованная московская публика впервые увидела работы Дмитриева в 1889 году, на выставке, посвященной 50-летию светописи, и рукоплескала неизвестному до тех пор провинциальному фотографу. Экспозицию составили 53 безукоризненно выполненные работы большого формата: волжские виды, лесные пейзажи, групповые и индивидуальные портреты.

Среди последних были весьма смелые например, портрет ссыльного В. Г. Короленко.

Работы, имевшие выраженную социальную направленность, вообще занимали видное место в творчестве фотографа. Например, на Парижской фотографической выставке Дмитриев показал весьма "острую" фотографию "Арестанты на строительных работах", которая вызвала некоторое раздражение официальных российских обозревателей.

Впрочем, критика не смущала фотографа, который в то время уже неоднократно становился лауреатом российских и зарубежных фотовыставок.

В начале 90-х годов XIX века он создал знаменитый альбом "Неурожайный 1891-1892 год в Нижегородской губернии", издание которого помогло собрать деньги для помощи Поволжью. Мало заботясь о славе и даже собственном здоровье, Максим Петрович снимал разоренные голодом деревни, фиксировал работу врачей, сестер милосердия и отдельных земских деятелей, помогающих больным тифом крестьянам.

Альбом стал важной вехой в истории российского фоторепортажа и удостоился восторженных откликов критики.

Не меньшей популярностью публики пользовались удивительные по красоте и силе пейзажные снимки, которые поражали зрителей тщательностью отбора объектов, мастерски найденной точкой съемки, неповторимой живописностью композиции.

Титанический труд художника, цикл из нескольких сотен фотографий под названием "Волжская коллекция", запечатлевший окрестности Волги буквально через несколько верст, отнял у Максима Дмитриева около 10 лет жизни, потребовал огромных денежных вложений и принес автору главным образом моральное удовлетворение его фотографиями без зазрения совести пользовались многие издатели.

Творческое наследие художника сохранило для нас архитектурный облик Нижнего Новгорода и, конечно, огромное количество жанровых фотографий, посвященных жизни города и Нижегородской ярмарки.

Основоположник русского репортажа, Дмитриев запечатлел практически все более-менее значимые события Нижнего Новгорода на рубеже XIX и XX веков например, сохранилась серия его крупноформатных фотографий, зафиксировавших приезд в Нижний Новгород в 1913 году императора Николая II на торжества, посвященные 300-летию дома Романовых.

Не оставался мастер чужд и портретному жанру в разное время гостями и клиентами его фотомастерской были Леонид Андреев, Иван Бунин, Федор Шаляпин, Вера Комиссаржевская и Максим Горький, с которым фотограф был особенно дружен.

Наконец, особую часть архива Дмитриева составляют "научные" фотографии: фотохудожник принимал активное участие в восстановлении архитектурных памятников Нижегородской губернии, снимая археологические находки и фиксируя различные этапы реставрации уникальных церквей и монастырей.

Однако начавшаяся 1-я мировая война вынудила М. П. Дмитриева отказаться от съемок вне павильона, а последовавшая революция положила конец всероссийской славе художника.

Некоторое время после 1917 года Максим Дмитриев продолжал работать в Нижнем Новгороде, впоследствии Горьком, как и прежде отдавая всего себя любимой профессии.

Больные тифом. В фотоархиве этого времени нескончаемые портреты делегатов и депутатов съездов и конференций, сотрудники обкомов, крайкомов, а также многочисленные комиссии и комитеты.

Но поддерживать ателье фотографу становилось все труднее из-за того, что в его мастерской "числились" пятнадцать наемных работников, фотохудожник был объявлен эксплуататором и буржуазным элементом.

В конце 1929 года фотоателье М. П. Дмитриева перешло в ведение комиссии по улучшению жизни детей при Нижегородском крайисполкоме, а прежний владелец был утвержден заведующим художественной частью и одновременно павильонным фотографом этого заведения.

В 1933 году из его архива изъяли более 7000 фотографий, лишив некогда знаменитого фотографа единственного дохода, который давали заказы краеведческих организаций и выставок по отпечатыванию снимков.

Другие работы рекомендую посмотреть в инете.

Анна Немая - фотограф из Израиля, известна на просторах интернета своими красивыми натюрмортами.

Однако, это не единственный жанр, в котором она снимает.

Предлагаю вам сегодня посмотреть некоторые из ее работ.

Натюрморт жанр немного своеобразный.

В фотографии он практически неотличим от живописи.

Те же правила, тот же свет.

В классическом натюрморте должны присутствовать три типоразмера объектов: большие, средние и малые.

Они должны быть объединены по смыслу, форме или цвету.

Композиция в большинстве случаев статична, уравновешена.

Цвета близкие к пастельным приятнее, хотя допускаются и насыщенные.

Другие фотографии этого мастера или натюрморты смотрим в инете.

Ян Артюс-Бертран - французский фотограф, получивший известность благодаря проекту "Земля, увиденная с неба" - серии фотографий различных уголков Земли, снятых с воздуха.

Изначально Артюс-Бертран фотографировал животных. С семнадцати до двадцати лет он работал в киноиндустрии сначала как помощник директора, затем как актер.

В 1967 году Ян стал управлять заповедником в центральной части Франции. В тридцать лет он со своей женой Энн переехал в Кению, чтобы изучить поведение львов в заповеднике Масаи Мара.

В это время он становится фотографом. Работая над своей первой книгой "Львы" (1981), Ян осуществлял съемку с воздуха, летая на воздушном шаре. С того времени он стал заниматься аэрофотосъемкой различных объектов.

По возвращении во Францию Артюс-Бертран стал фотокорреспондентом, специализирующимся на приключениях, спорте и природе. В 1989 году он решил собрать сто лучших французских фотографов и организовать "3 дня во Франции" - соревнование и книгу. Примерно тогда же Ян получает мировое признание, его фотографии публикуются в Paris-Match, Geo, Life, National Geographic.

В 1991 году в Париже он основал Altitude Agency (Агентство "Высота"). Это единственная в своем роде фотобиблиотека, специализирующаяся на аэрофотосъемке - визуальный банк данных видов с высоты, хранящий работы фотографов со всего мира.

В 1995 году под патронатом экологического научного отдела ЮНЕСКО он взялся за грандиозный проект - создание научного банка данных съемок планеты с высоты.

Этот продолжающийся и по сей день обзор экосистем планеты с иного ракурса до сих пор составляет важную часть его работы. Параллельно Ян продолжает вести систематическую опись домашних животных и их пород.

В 2000 году состоялась выставка Яна, на которой была представлена коллекция из ста тысяч фотографий, сделанных в семидесяти шести странах. Некоторые из них были опубликованы в его книге "365 days: Earth from the Air".

Эта выставка проводилась в Великобритании, Сингапуре, Польше, Нидерландах, Финляндии и других странах. Артюс-Бертран является членом Академии изящных искусств института Франции.

Одну из своих наиболее известных фотографий (на ней изображено "сердце" около деревни Во в Новой Каледонии) Артюс-Бертран использовал как обложку для своих книг "The Earth from the Air" и "Earth from Above".

В 2003 году он начал работать над проектом "Другие шесть миллиардов" и отправил трех операторов по разным странам для встреч с людьми, живущими в местах, сфотографированных с воздуха. Он выпустил около шестидесяти книг со снимками пейзажей, сделанными с вертолета или воздушного шара.

снимки, особенно с бегемотами))
А вот что попало на втором кадре- не поняла, не хватило воображения

На втором снимке горный серпантин. Это вид не вниз, а скорее вбок, на очень крутой склон горы.

Теперь понятно!

Американский фотограф из Сан-Диего David Fokos.

Использует в работе над своими фотографиями длинную выдержку и тщательно рассчитанную композицию.

Его снимки лаконичны и умиротворяющи.

В них, по словам автора, отфильтровано то, что он называет "визуальным шумом" ежедневной жизни.

Представьте снимок в другой тональности. Будет работать?

Горизонт почти по центру. Влияет это на восприятие?

Интересная двойная симметрия.

Хороший пример воздушного минимализма.

Еще один минимализм...

Пример ритмов.

Нарушенные ритмы.

Больше работ автора ищем в инете.

Раньше одной из проблем в фотографии, для немногочисленных любителей, было получить технически правильно проэкспонированный снимок. Сейчас автоматика решила этот вопрос для простых условий съемки. Но теперь, для огромного числа любителей, более актуальной стала проблема видения фотографии. Как и что снимать, чтобы снимок был интересным.

Практически все школы обещают научить снимать технически верно, рассказать немного об условиях съемки и некоторых нюансах. Но практически никто не хочет давать творческую составляющую фотографии. Учить человека понимать, что хорошо в фотографии, что нет. Почему одна фотография привлекает внимание, а мимо другой, такой же, зритель проходит не задерживаясь. Интересно? Записывайтесь на курсы. Тема прикреплена вверху.

Удивительно, но работы американца... самые лучшие из всех последних тем...
люблю не простой лаконизм во всём... и ещё... здесь есть философия в кадрах...

Не знаю, как насчет самых лучших... Все работы заслуживают внимания, на всех видна работа фотографа, во многих есть композиция. Но все равно рад, что понравились.

субьективное... Я так вижу мир, мне это понятнее... )))
Конечно, все работы заслуживают внимания, но я остановилась на фотоработах этого
мастера...
Не забывай, в дом нуно приходить... хоть иногда...)))

Раз в день заглядываю. По понедельникам, средам, пятницам темы выкладыаю. При такой активности более чем достаточно. Надо или что то менять или закрывать проект. Пока думаю.

Если тебе интересно моё мнение, ... оно таково... сказать "Прощайте!" ты всегда успеешь)))
Тебя же ни к чему не обязывают, нет?... значит, будем посредством тем общаться...
По понедельникам... средам и пятницам...))) думаю, этого вполне достаточно для...
Потом всё изменится...

Да, эта тема про зонтики. Но совсем не те, под которыми мы прячемся от дождя. И даже не про те, которые используются в качестве аксессуаров на съемках. Рассказ будет про зонтики, с помощью которых создают световой рисунок.

Зонт позволяет регулировать направление света, создавать контрастный или мягкий свет, придавать оттенок изображению. Одним из недостатков зонта градиентный поток света: в центре он достигает максимума и довольно сильно уменьшается по краям. Но опытные фотографы используют в некоторых съемках это как преимущество.

Итак, теперь более подробно. Зонты бывают самых разных размеров: от 30-40см в диаметре до полутораметровых. По цвету ткани наиболее распространены белые, черные, серебристые и золотистые, хотя при желании можно покрасить белую ткань практически в любой цвет. Некоторые фирмы начали выпускать зонты, приближенные к софтбоксам, чтобы максимально уменьшить паразитную засветку.

Для создания мягкого света используются белые зонты большого размера. Если внутренняя сторона зонта белая, а внешняя черная, то такой зонт используется для создания отраженного света, причем степень отражения у него процентов 70-90. Если внутренняя и внешняя сторона зонта белого цвета, то такие зонты могут использоваться как отражающие, свет, так и работать на просвет. В зависимости от плотности ткани, количество отраженного или пропущенного света уменьшается. Например, в случае отраженного света, (такой зонт как на картинке) часть света пройдет через ткань, а часть отразится на снимаемый объект.

Для создания контрастного света используются белые зонты малого размера или зонты с серебристым покрытием. Такое покрытие обладает максимальной отражающей способностью и степень отражения приближается к 100%. Свет получается резким и холодным. Контрастность света несколько снижается по мере увеличения диаметра зонта.

Для придания изображению теплого, золотистого оттенка, используются золотистые зонты. Свет получается красивым, но его уместность определяет фотограф.

А самое интересное начинается, когда под выбранный сюжет фотограф начинает выбирать оборудование. Самые догадливые поймут, что для романтического портрета лучше использовать большие белые зонты или софтбоксы, дающие мягкий свет. Для драматического серебристые зонты малого размера, для создания резкого, контрастного света. Возможно использовать и комбинированные схемы, включающие контрастный и мягкий свет. Например, для контрового света, где нужно лишь подчеркнуть контур объекта и отделить его от фона тонкой светлой полоской, можно использовать контрастный свет. А всю остальную картину строить с помощью источников мягкого света.

Сесиль Битон (настоящие имя и фамилия Уолтер Харди, Hardy) (14. 01. 1904 - 18. 01. 1980), английский фотограф, прославившийся "парадными" фотографиями знаменитых особ.

Фотографией увлекся с одиннадцати лет.

В 20-х годах Битон стал фотографом журналов мод Vanity Fair и Vogue, для которых создана большая часть его работ.

В его работах модель становится частью единой декоративной композиции, контрастирующей с однородным фоном задника, специально изготовленного из фольги или папье-маше.

Многие из этих портретов собраны в его фотоальбомах "Книга красоты. Персона грата" и "Это доставляет мне удовольствие".

Во время Второй мировой войны Битон работал в министерстве информации, освещая военные действия в Африке и на Дальнем Востоке.

Но самыми значительными из его работ того времени стали снимки "битвы за Англию", собранные в его фотоальбоме "Крылатые эскадрильи" (1942).

После войны Битон вернулся к портрету, но его стиль утратил былое великолепие.

Он стал художником по костюмам и декорациям, получил "Оскаров" за свою работу в фильмах "Жижи" 1958 года и "Моя прекрасная леди" 1964-го.

В 1972 году Битон получил рыцарский титул.

Больше работ смотрим в инете.

работы! Очень понравилось, спасибо!

Пожалуйста. Рад, что понравилось.

Сесиль... и мужчина... редкое какое имя... я думала, что это женщина...)))
И всё таки красивая женщина в композиции на фото - это гарантированный успех)))
Спасибо...

Кристоф Лекок французский фотограф, снимающий жизнь улиц.

Некоторое время жил в Китае.

Сильно ли отличается жизнь востока от жизни большого западного мегаполиса?

Все это можно увидеть в работах автора.

Лиц много, а акцент на одном.

Париж, Париж...

Жизнь улиц...

Какие эмоции вызывает эта фотография?

А это универсальный снимок для многих сюжетов...

Этот снимок несколько сложнее...

Просто ребенок...

Кусочек из рабочих будней...

Специфика восточных стран...

Много интересных других работ этого автора можно посмотреть в инете.

спасибо...

У меня никаких эмоций эта фотография не вызывает... нет... точнее - любопытство:
что она там делает, наверное... набирает кому то эсемеску...)))

А может и плачет. Раз работа что то вызвала, значит чего то стоит.

когда женщина плачет,... она не будет так держать сумки между ног...- здесь, на фото
видно что она сосредоточена...- когда женщина плачет ей пофиг на сумки...
Андрюш... ты не пропадай... приходи...
пичалька...

Генри Кларк родился в 1918 году в Лос-Анджелесе в семье ирландских иммигрантов.

Они постоянно переезжали места на место, пока в 1932 году семья не осела в Сан-Франциско.

В 1946 году Генри Кларк, будучи декоратором витрин, берет полугодовой отпуск за свой счет и переезжает в Нью-Йорк.

Вскоре он уже работает в издательском доме "Конде Наст" на должности ассистента по аксессуарам.

Наблюдая за работой Хорста и Сесила Битона, находит новое увлечение фотографию.

Генри Кларк научился обращаться с казенной камерой и посетил несколько уроков Алексея Бродовича.

Судьба распорядилась так, что Кларк стал фотографом моды, он часто работал со знаменитостями.

Ли Радзивилл, баронесса фон Тайсон, сестры Гиннесс, Марелла Аньелли, звезды итальянского кинематографа эпохи неореализма.

В 1951 году Кларк подписал беспрецедентный для того времени контракт, позволяющий ему снимать сразу для трех изданий французского, английского и американского Vogue.

На этом поприще он сделал много фотографий, которыми не перестают восхищаться и сейчас.

Другие работы смотрим в инете.

отличные работы... в смысле, фотографии... вот тебе и ирладский иммигрант...)))

Альфред Эйзенштедт, известный среди друзей под именем Эйзи (Eisie), родился в еврейской семье 6 декабря 1898 года в Западной Пруссии. В 1906 году семья переехала в Берлин, откуда во время Первой Мировой Войны молодой человек был призван в армию. Демобилизовавшись после ранения, он стал торговать галантерейными товарами.

Свой первый фотоаппарат складной Кодак с катушечной пленкой Альфред получил в 14 лет. В середине 1920-х годов он начал посылать фотографии в популярную в до-гитлеровской Германии газету "Berliner Tageblatt", позднее стал продавать фотографии в "Associated Press". В то время он не думал, что это станет делом всей его жизни: "Фотожурнализм только-только зарождался, да и о фотографии я почти ничего не знал", вспоминал он позднее, "Для меня это было приключением".

Уже в начале 1930-х годов, используя стеклянные негативы и крайне неудобное фотооборудование, Альфред Эйзенштедт сделал несколько работ, которые благодаря своей исторической и художественной ценности вошли в копилку лучших фотографий всех времен и народов. Достаточно упомянуть официанта на коньках в отеле в Санкт-Морице; миланский оперный театр "Ла Скала", пожимающих друг другу руки Гитлера и Муссолини. Очень сильная фотография была сделана в 1933 году в Женеве во время пятнадцатой сессии Лиги Наций. "Там на лужайке перед отелем сидел доктор Джозеф Геббельс, гитлеровский Министр пропаганды. ... Неожиданно он поднял на меня глаза и в этот момент я нажал на кнопку. Его глаза были полны ненависти. ... Эту фотографию неоднократно публиковали по всему миру. Меня спрашивали, как я себя чувствую, когда фотографирую подобных персонажей. Конечно, не очень хорошо, но когда у меня в руках камера я ничего не боюсь".

В 1935 году Эйзенштедт почувствовал, что Германия становится все менее и менее гостеприимной и уехал в Америку. Несмотря на незнание языка, он быстро добился успеха: уже в следующем году он стал одним из первых фотографов журнала "Life", который по мысли его основателя Генри Льюса "должен был рассказывать истории, используя фотографии вместо текста". В то время журнал только начинал свою деятельность и в том, что он стал самым популярным изданием в Соединенных Штатах и в Западной Европе немалая заслуга Альфреда Эйзенштедта.

Первое время в Америке Эйзенштедт использовал среднеформатный фотоаппарат Rolleiflex, который очень нравился ему "потому что Rolleiflex можно держать внизу, не поднимая к глазам; таким образом, никто не видит, как я фотографирую", пояснял он, "Я просто стоял без движения как статуя. И никто не видел, что я делаю. Для того чтобы делать такие фотографии нужно быть ненавязчивым и уметь смешаться с толпой". Если к этому добавить невысокий (чуть более полутора метров) рост фотографа, то понятно, что он был практически невидимкой не только с Rolleiflex, но и с Лейкой.

Самую знаменитую фотографию Альфред Эйзенштедт сделал 14 августа 1945 года, когда вся Америка праздновала так называемый "V-J Day" (Victory over Japan Day день победы над Японией). В вечер этого дня он прогуливался по площади Таймс-Сквер, где находился пункт набора добровольцев в армию. Около 7 часов вечера по радио объявили о капитуляции Японии, и площадь взорвалась криками радости. Видимо происходящее весьма напоминало события мая того же года в Советском Союзе, знакомые нам по фотографиям, кинофильмам и рассказам родителей: совсем незнакомые люди обнимались, плакали друг у друга на груди, целовались и поздравляли друг друга с победой.

Естественно Альфред Эйзенштадт оказался там не случайно и не с пустыми руками. Позже он вспоминал, что ходил взад и вперед, фотографируя радующихся людей, когда заметил матроса, который "носился по площади и целовал без разбору всех женщин подряд: молодых и старых, толстых и тонких. Я наблюдал, но желания сфотографировать не появлялось. Неожиданно он схватил что-то белое. Я едва успел поднять камеру и сфотографировать его целующего медсестру".

Эта фотография, которую Эйзенштадт в шутку называл "Безоговорочная капитуляция", стала для американцев символом победы во Второй мировой войне. В 2005 году на Таймс-Сквер появилось скульптурное изображение целующейся пары, сделанное на основе фотографии скульптором Сьюардом Джонсоном. К сожалению, городские власти не разрешили установить скульптуру на постоянной основе, поэтому она украшает площадь только в дни празднования годовщины победы над Японией.

Фотограф не позаботился о том, чтобы установить личности своих случайных моделей; они тоже до поры до времени не спешили о себе заявлять. Ситуация изменилась после того как в августе 1980 года редакция "Life" решила разузнать об их дальнейшей судьбе и попросило назвать себя. В течение двух месяцев в редакцию журнала обратились одиннадцать бывших матросов утверждавших, что именно они изображены на знаменитом снимке. Женщины оказались скромнее: только три представительницы прекрасного пола узнали себя в медсестре с фотографии.

К завершению рассказа о "Безоговорочной капитуляции" хотелось бы отметить, что хотя сам фотограф не считал ее своей лучшей работой, он понимал, что это самая известная его фотография: "Я буду на небесах, а мои фотографии буду жить. Люди забудут мое имя, но они будут помнить что был фотограф запечатлевший моряка целующегося с медсестрой в конце Второй мировой войны", писал он.

С самого начала своей карьеры Альфред Эйзенштадт старался сочетать в своей работе репортажность и художественность. "Я начал как пикториалист", вспоминал он, "Я и сейчас стараюсь делать красивые фотографии". И это ему удавалось! За более чем полувека работы он сделал десятки снимков ставших фото-иконами XX века. В 1954 году состоялась первая персональная выставка фотографа в Нью-Йорке, за которой последовали десятки других. В 1958 году журнал "Popular Photography" назвал его одним из 10 лучших фотографов современности.

О личной жизни Эйзенштадта почти ничего не известно но уже сама эта "неизвестность" очень красноречива. "Мы часто общались, но, несмотря на это, я не знал, есть ли у него братья или сестры, был ли он женат до того как женился на Кэти в конце 1940-х годов", писал фотограф Джон Ленгард. "Я знаю, что он помог своей маме выехать с Германии в 1936-м, но он никогда не упоминал о Холокосте. Я не знаю ничего о других его друзьях или родственниках. Он не любил выставлять свои чувства на показ, но, с другой стороны, всегда проявлял беспокойство, когда кто-нибудь из коллег болел. Однажды я пролежал две недели в постели с больной спиной и только двое из Life позвонили он был одним из них".

А вот о своей работе и ее результатах он говорил много и охотно: "Я могу часами наблюдать за каплей дождя. Я все время вижу фотографии я думаю образами будущих фотографий", признался он. А потом сделал одно необычайно важное дополнение: "Но если я не вижу фотографии, то не достаю камеру из сумки". Такой вот простой рецепт и как сложно ему следовать!

Он совсем не мог обходиться без любимой работы: "Он говорил мне, что если не пойдет на работу, то умрет", вспоминал режиссер и фотограф Гордон Паркс, проработавший вместе с Эйзенштедтом более 20 лет. И он продолжал работать почти до самой смерти: в 1993 году 95-летнему фотографу позировали президент США Билл Клинтон с семьей. Это была последняя фотосессия мастера он умер 24 августа 1995 года.

По воспоминаниям друзей и коллег Альфред Эйзенштадт очень гордился своими фотографиями. Его маленький офис был забит коробками с негативами и отпечатками, он часто и подолгу рассматривал их. "Все заключено в них", сказал он как-то своему другу журналисту и фотографу Карлу Мидансу, "Я не пишу. Пусть другие напишут о них. Если они захотят узнать, что я видел, они увидят это в моих коробках все что было на самом деле, как я это видел и что я об этом думал".

Вспомнили старенькую поговорку? Сегодня я хочу обсудить вопрос: а нужно ли учиться фотографии, или можно положиться на умную мыльницу?

В течении вот уже почти 5 месяцев я публикую подборки интересных фотографов и приглашаю в фотошколу в реале. Пока активность маленькая, крайне маленькая. Возможно, что-то я делаю не правильно, не смог донести, что все публикации, это часть обучающего процесса. Подборки фотографий, которые нужно анализировать, расширяя свой кругозор. Но возможно это слишком сложно для начального уровня.

Попробую по другому.
Представьте, вам повезло: отправляют или в кои-то веки собрались в далекие красивые места, где вряд ли еще удастся побывать. Разумеется, вместе с вещами кладете в чемодан и фотоаппарат. Нельзя же будет вернуться из поездки и не привезти с собой память в виде фотокарточек, которые и друзьям можно будет показать.
Но вот отпуск закончился, переписали фотографии на комп, а показать друзьям особо и нечего... Остаются только рассказы о том, как там было красиво. А вот фотки почему то не получились.

Вопрос: а правильно вы выбрали режим съемки, учли освещение, скомпоновали кадр? Скорее всего нет. Не потому, что не хотели, а просто не знали простых правил. Как результат безликие снимки.


Другой вариант. Вы едете в другой город, чтобы повидаться с близкими людьми, которых не видели очень давно, а после еще долго не увидите. Сфотографировали. Распечатали. Тени от солнца темные, глаза сощурены. Ну видно, что не комфортно было человеку. Понятно, что и такая фотография будет дорога как память, но могло то быть и лучше...

А вопрос все тот же...


А ведь ситуация описана в названии. Понадеялись на мозги фотоаппарата, да не учли, что учили его снимать только в определенных условиях. И любой сюжет он воспринимает как средне-серый. Вернее даже не воспринимает, а заложено в него так. Ведь даже снимая на спортивном режиме вы вполне можете смазать кадр до неприемлемого результата. Снимая на режиме портрет можете получить пересвет или темный кадр. Максимум, что можно сделать не понимая почему так получилось, перевести на другой режим и надеяться на удачу.


Далеко не все понимают, что фотография это память. Каждая карточка это миг памяти, который уже не вернется. Для того, чтобы освоить основы не нужно пять лет учебы в университете. Достаточно будет 6-8 занятий. Теории и практики. Один раз, уделив этому внимание, вы сможете уже осознанно выбирать что снимать и как снимать. И если снимок не получится с первого раза, сможете самостоятельно понять почему и внести корректировку.

Программу курса можно посмотреть в прикрепленной теме "Предложение". Записаться - там же.

Август Зандер - известный немецкий фотограф, создатель грандиозного проекта - всеобъемлющего исторического документа "Люди 20 столетия". "Я не ставлю перед собой задачу создать идеальный портрет. Моя задача показать личность в естественных условиях, со всеми ее достоинствами и недостатками". Август Зандер родился 17 ноября 1876 года в местечке нафигдорф, неподалеку от Кельна, в семье плотника и крестьянки. Отец Зандера работал на железорудной шахте, куда в возрасте тринадцати лет учеником шахтера поступил и Август.

Однако интересы молодого человека отнюдь не ограничивались повседневной рутиной. В 1882 году дядя подарил ему фотокамеру форматом 13х18 см, и этот подарок перевернул всю жизнь молодого человека. Отец и мать, несмотря на свое простое происхождение, всячески поддерживали увлечение своего сына и даже помогли ему обустроить "темную комнату" для занятий фотографией. Увлечение переросло в профессию отдавая любимому делу все вечера и ночи, молодой человек вскоре преуспел в нем настолько, что стал помощником фотографа на шахте. В 1896 году Зандер был призван на военную службу, однако прошел ее без отрыва от профессии в качестве подмастерья фотографа.

После армии молодой человек отдался любимому делу полностью и стал заниматься промышленной и архитектурной съемкой. В 1901 1902 году Август Зандер обучался живописи в Дрездене, благодаря чему и приобрел навыки, которые впоследствии так пригодились ему в портретной фотографии. Путешествуя по немецким и австрийским землям, в 1901 году молодой фотограф оказался в городке Линц. Тогда он впервые начал работать в местной фотостудии Photographic Studio Graf, а спустя год, окончив учебу в Дрездене, вместе с партнером по бизнесу выкупил студию. Студия стала называться Studio Sander and Stuckenberg, а через два года вновь поменяла название на August Sander Studio for Pictorial Arts of Photography and Painting Август Зандер приобрел совместное предприятие в собственное владение и стал работать самостоятельно.

Дела фотографа шли в гору. Он женился, его студия процветала, а в 1904 году его работы удостоились первой, и весьма престижной, награды Золотой медали Парижской фотовыставки. В это же время Август Зандер начал эксперименты с цветной фотографией, некоторые также были очень успешны ряд работ немедленно приобрел в свое собрание Лейпцигский музей. В 1906 году в выставочном зале "Ландхаус" города Линц состоялась первая персональная выставка Августа Зандера.

В конце 1909 года фотограф продал студию в Линце и переехал сначала в Трир, а затем в пригород Кельна, где и создал свою новую студию. Фотограф продолжал заниматься архитектурной и промышленной фотографией, а также выполнял портретную съемку как рабочих и крестьян, так и "чистой", буржуазной публики. Именно в это время он впервые задумался о создании обширной серии работ, которые стали бы отражением современного ему немецкого общества. Однако портретная съемка, как бы ни увлекала она фотографа, отнюдь не была его единственным занятием. Зандер, ставший уже признанным мастером, отдавал немало времени обучению молодых фотографов и популяризации фотографии как искусства. Уже с 1919 года в его фотоателье появились не только подмастерья, но и стажеры.

А в 1931 году Зандер выступил на радио с серией лекций под общим названием "Природа и развитие фотографии", которые приобрели огромную популярность. Но политическая обстановка в Германии стремительно менялась. Набирал обороты национал-социализм, лекции об искусстве на радио уступали место речам Адольфа Гитлера. После прихода к власти нацистов фотоальбом "Лица нашего времени" был запрещен, остатки конфискованы, а все негативы уничтожены. Точная причина такой ненависти нацистов к творчеству Зандера до сих пор неизвестна. Предполагается, что фотографии "низов" германского общества подрывали идеологическую доктрину фашистов о чистоте немецкой расы. Вероятно также, что Август Зандер подозревался в распространении антифашистской литературы и разделял взгляды своего сына. Эрих Зандер участвовал в антинацистском движении и был членом Социалистической Рабочей партии Германии. В 1934 году он был арестован и заключен в тюрьму.

Во время Второй Мировой войны Август Зандер оставил Кельн и на некоторое время обосновался в земле Рейланд, которая давно восхищала его своей живописной природой. Но пейзажи и портреты Зандера в это время были мало востребованы. Намного больше времени фотограф проводил над другими заказами печатью довоенных снимков погибших на войне солдат для их родных и близких.

Самого Зандера также преследовали несчастья. В 1944 году в тюрьме умер его сын Эрих. В том же году кельнское ателье, которое не прекращало свою деятельность, было разрушено бомбардировкой. Хотя Зандеру удалось спасти тысячи негативов, спустя два года, в 1946 году, многие из них были похищены мародерами. Однако, несмотря на все потери, фотограф продолжал работу над серией "Люди 20 столетия", а также несколькими другими проектами и фотоальбомами.

После войны к Августу Зандеру вернулось заслуженное признание. В 1951 году его работы были представлены на первой выставке Photokina. В этом же году Кельн купил у Зандера документальные фотографии довоенных городских пейзажей. Несколько работ фотографа были отобраны Эдвардом Стейхеном для выставки "Род человеческий", которая проводилась в 1955 году в нью-йоркском Музее современного искусства. Зандер получил множество наград, в том числе высшую награду ФРГ, "Крест за заслуги" (1960 г).

В конце 1963 года у Августа Зандера случился инсульт. Спустя несколько месяцев фотографа не стало. После смерти Августа Зандера его работу продолжил сын Гюнтер, а впоследствии и внук Герхард. Творчество Работы Августа Зандера из серии "Люди 20 столетия" многократно выставлялись и переиздавались. Серия представляет собой срез германского общества времен Веймарской республики и состоит из семи частей: "Фермер", "Торговец", "Женщина", "Классы и профессии", "Художники", "Город", "Последние люди".

Герои снимков молодые и пожилые, мужчины, женщины и дети, студенты, рабочие и чиновники, изображены в привычной для себя обстановке или на нейтральном фоне, но так, что мы практически не нуждаемся в дополнительных пояснениях относительно личности персонажа. Август Зандер говорил: "Наше представление о людях формируется светом и воздухом, их наследственными чертами и их действиями. Опираясь на внешний вид человека, мы можем судить о работе, которую он делает или не делает, мы можем понять по его лицу, счастлив ли он или встревожен... Я не ставлю перед собой задачу создать идеальный портрет. Моя задача показать личность в естественных условиях, со всеми ее достоинствами и недостатками".

"Классификация" людей Августа Зандера основана на их профессиях и немного наивных на современный взгляд типах, в которых он пытался найти архетипы. Например, первый раздел серии, "Фермер", - это архетипы "земных людей": философ, борец, мудрец. В раздел "Торговец" Август Зандер, следуя собственной логике социальной иерархии, отнес не только работников собственно торговли (продавцов, мелких лавочников) и ремесленников, но и людей, которых сегодня называют "белыми воротничками": инженеров, промышленников и даже изобретателей. Раздел "Классы и профессии" вобрал в себя людей всех остальных профессий, родов занятий и классов, поэтому является наиболее значительной частью серии "Люди 20 столетия". Со снимков этого раздела на нас глядят студенты и школьники, врачи и чиновники, судьи и солдаты, учителя и бизнесмены, аристократы и политики.

Поздние снимки раздела посвящены национал-социалистам эти фотографии, внушающие невольное чувство тревоги, напоминают о времени, когда Кельн был оплотом фашистского движения. Героини раздела "Женщина" - жены и дочери, матери и сестры. Несколько снимков представляют семейные группы, указывающие на место женщин в семье, подчеркивающие их связь с мужчинами и детьми. Однако фотографу чужд патриархальный подход. Его снимки посвящены женщинам во всем их разнообразии тем, кто посвящает себя воспитанию детей, и тем, кто стремится сделать карьеру, светским модницам, художницам, матерям больших семейств и хозяйкам.

В разделе "Художники" мы видим многих друзей фотографа, благодаря которым его студия в Кельне стала настоящей ареной социальных и эстетических дискуссий. Снимки раздела "Город" современный критик отнес бы к жанру "стрит-фотографии", разумеется, с поправкой на условия и технику первой половины двадцатого века. На фотографиях этого раздела пестрый "состав" улиц Кельна времен Веймарской республики: уличные подростки, безработные, путешественники, иностранные рабочие и попрошайки. Последний раздел серии, недаром получивший название "Последние люди", посвящен людям, вычеркнутым из общества инвалидам, душевнобольным, умирающим, нищим и бродягам. Именно эти портреты, подрывающие представление о германской расе как о героической и чистой, вызвали особое недовольство Министерства культуры фашистской Германии.

На сегодняшний день серию составляют работы, негативы которых удалось сохранить после репрессий, последовавших за уничтожением альбома "Лица нашего времени". В работах, составляющих серию "Люди 20 столетия", Август Зандер пытался не представить свою "идею" персонажа, а открыть глубинную сущность человека, его принадлежность к определенному социальному и культурному типу. Фотограф верил, что камера дает для этого больше возможностей, чем любые другие изобразительные средства. Своеобразная "каталогизация" людей, которую проводил художник, должна была, по его мнению, позволить людям лучше понять самих себя. Выполнить эту сверхзадачу Августу Зандеру, возможно, и не удалось, но пополнить фонд мирового фотоискусства бесспорными шедеврами удалось вполне.

Аркадий Шайхет - фоторепортер, признанный мастер "правдивого" отражения советской действительности, снимки которого - фотоэнциклопедия жизни в СССР в первой половине XX века. Аркадий Шайхет (Абрам Шойхет) родился на юге России в 1898 году в небогатой семье. Его отец развозил пиво, а мать шила шляпы и вела хозяйство. Мальчик был четвертым ребенком в семье и не получил последовательного образования, закончив лишь четыре класса школы. Образовательный ценз по национальному признаку позволял только одному ребенку в еврейской семье получить среднее образование, но и безо всякого ценза средств на обучение всех детей у семьи все равно не было. В двенадцать лет Шойхет устроился подручным слесаря на Николаевский судостроительный завод. Там он провел следующие пять лет, а возможно, провел бы и остаток жизни, но начались смутные времена: Первая Мировая война, волнения, революция, гражданская война. Абрам Шойхет отправился на фронт.

Служил он в духовом оркестре, пока не заболел тифом. После окончания войны будущий фотограф сменил имя и, как и многие молодые люди того времени, отправился в Москву. Шел 1922 год. Жить в столице было непросто, но для молодого человека с минимумом потребностей и сильным характером возможно. Первая же работа, на которую удалось устроиться Шайхету, определила всю его дальнейшую жизнь. Он пошел работать в фотостудию с громким названием "Рембрандт", которая распологалась на Сретенке. Сам Аркадий Шайхет вспоминал об этом так: "В конце 1922 года, я устроился ретушером к частному фотографу на Сретенке в фотоателье "Рембрант". Может быть, так и протекала бы моя жизнь в задней комнатушке ателье за столом ретушера, если бы не случай. Один опытный журналист посоветовал мне перейти на фоторепортаж... Вооружившись универсальной камерой размером 9х12 с выдвижным мехом, я, полный молодого задора, приступил к работе.

Первые мои снимки появились в популярной у москвичей "Рабочей газете". Для пробующего свои силы фоторепортера это было хорошим началом". Опытным журналистом, разгадавшем в ретушере будущего большого фотографа, был Дмитрий Бразуль, руководитель РОСТа. Он же посоветовал Шайхету отнести свои фото не только в "Рабочую газету", но и в журналы "Красная нива" и "Московский пролетарий". Работы молодого автора быстро привлекли внимание его мастерство росло с каждым днем. К тому же, Шайхету была близка и актуальная для времени тематика, о которой без устали твердили все газеты и журналы, в том числе и "главный орган" - журнал "Советское фото": "Сейчас надо снимать правду, не парадную, а будничную... Мы хотим видеть рабочего и крестьянина такими, какие они есть, без сусальных прикрас". Фотографии Аркадия Шайхета стали неизменно появляться в каждом номере "Советского фото", начиная с самого первого, вышедшего в 1926 году.

Шайхет превосходно справлялся с любыми репортажами его знали во многих московских редакциях, часто и с удовольствием публиковали. Он снимал первомайские демонстрации, похороны Ленина, Пленум V конгресса Коминтерна. В 1925 году Михаил Кольцов пригласил фотографа в журнал "Огонек". Работа в "Огоньке" дала невиданные ранее творческие возможности стоит лишь упомянуть, что специально для редакции "Огонька" был куплен самолет, который позволял фотографам успевать на важные мероприятия практически в любой точке огромной страны.

В 1926 году на открытии Шатурской ГРЭС Аркадий Шайхет сделал один из своих самых знаменитых снимков "Лампочку Ильича". На других снимках Шайхета этого времени - колхозники, красноармейцы, спортсмены. Впрочем, работа в "Огоньке" не всегда была сплошным праздником -однажды ему пришлось провести четыре месяца на Лубянке. Вот как вспоминал об этом сын фотографа: "Как-то, фотографируя Клару Цеткин - вождя немецкого пролетариата, отец порвал и выбросил неудачный снимок, на котором из-под платья революционерки виднелась нижняя юбка. Кто-то склеил порванный отпечаток и с комментариями: "Вот как некоторые фоторепортеры снимают вождей мировой революции" - отправил куда следует". Шайхета арестовали и, если бы не заступничество всесильного редактора "Огонька" Михаила Кольцова, эта история могла бы закончиться весьма трагически. Отделавшись "легким испугом", Аркадий Шайхет вернулся к профессиональной деятельности. Первая выставка, в которой принимали участие несколько работ фотографа, была организована Ассоциацией московских фоторепортеров и состоялась в 1926 году.

В 1928 году на выставке "Советская фотография за 10 лет" Шайхет выставил уже 60 своих фоторабот, которые получили самые благосклонные отзывы критиков и прессы. В 1931 году фотограф принимал участие в выставке "огоньковских" фотографов в Лондоне. Английские репортажи об этой выставке пестрели словами "выдающиеся", "поразительные", "исключительные", а Бернард Шоу с "большевистской прямотой" заявил, что "... советское искусство оставило далеко позади современное западно-европейское". Летом 1935 года Шайхет вошел в число двадцати трех участников выставки "Мастера советского фотоискусства". В экспозиции было представлено около двадцати его фотографий ("Корабль степей" (1934), "Самолет в Колхозе" (1934), "Сортировка зерна" (1933), "Катки" (1930), "Лыжный поход красноармейцев" (1929), "Утренняя зарядка" (1927)).

Главные причины успеха Аркадия Шайхета фанатичное отношение к работе, невероятная скрупулезность, умение выхватить самую суть момента и выстроить идеальную композицию. Возможности отказаться от задания редакции или просрочить его выполнение для фотографа просто не существовало. А задания были самые разные, даже рискованные. Например, во время репортажа о свадьбе процветающего нэпмана (Шайхет запечатлел все ее этапы - от бракосочетания и поздравлений до пьяной драки) "герои" угрожали фотографу физической расправой и обзывали нехорошими словами.

А для съемки знаменитых летчиц Гризодубовой, Расковой и Осипенко Шайхету пришлось поработать не только фотографом, но и стилистом по заданию редакции он отвел знаменитых летчиц в Торгсин и на редакционные же деньги подобрал им подходящие костюмы. Возможно, этим отчасти объясняется искренняя радость моделей на этих весьма удачных снимках. Впрочем, умение войти в контакт, расположить к себе своего героя тоже всегда было сильной стороной Шайхета. В его присутствии люди не чувствовали скованности: на фотографии "На пашне. Село Коломенское" (1927) колхозница спокойно кормит ребенка грудью, "странники" с одноименной фотографии 1925 года так же спокойно пьют чай за неспешным разговором, не обращая на фотографа никакого внимания, что было довольно странно по тем временам - для фотографии полагалось "позировать".

Тем не менее, даже самые "непринужденные" снимки Шайхета были тщательно отрежиссированы. Он ставил пограничника в позу статуи, отыскивал в веренице машин на конвейере единство ритма, а для фотографии "Узбек под новым солнцем" добивался от щек старого узбека, лежащего под кварцем, металлического блеска. В отношении ракурса Шайхет любил верхние точки для съемки он забирался на крыши, деревья, колокольни.

Однажды он залез на крышу Киевского вокзала и провалился там сквозь стекло, но успел за что-то ухватиться и все же сделал нужную фотографию.

Однако времена менялись, и работа Шайхета в "Огоньке" подходила к концу. Фотограф не вступал в партию и отказывался занимать руководящие должности. Постепенно ему перестали поручать ответственные съемки, и в 1938 году Шайхет был вынужден уйти из "Огонька", которому отдал почти тринадцать лет жизни. Великую Отечественную войну Шайхет прошел фронтовым фотокорреспондентом. Он работал в "Фронтовой иллюстрации", печатался в "Правде", "Красной звезде", "Комсомольской правде".

Борис Игнатович - классик советской фотопублицистики, выдающийся представитель первого, "героического" поколения советских фоторепортеров. Борис Игнатович начинал как редактор и журналист, но фотографическая слава затмила его достижения на литературном поприще. Нам Борис Игнатович известен как талантливый и многогранный фотограф, чьи работы злободневны, чье мастерство ставит фоторепортаж вровень с лучшими образцами изобразительного искусства, а найденные ракурсы и по сей день копируются в работах фотографов и художников.

Первые шаги в журналистике (тогда еще не фото-) 19-летний редактор-стажер делает в редакции луганской газеты "Северо-Донецкий коммунист". Там его способности были быстро замечены и оценены по достоинству: уже через год он направляется для работы в харьковской "Красной звезде". В качестве репортера "Красной звезды" Игнатович проходит сквозь фронты гражданской войны. Его очерки с поля боя, статьи, посвященные жизни людей в это непростое время, регулярно появляются на страницах газеты. Мирное время Борис Игнатович встречает в столицах работает редактором московской газеты "Горняк", заведует редакциями ленинградских юмористических журналов "Дрезина", "Смехач", "Бузотер". Журналы покупаются нарасхват.

Бок о бок с Игнатовичем работают М. Булгаков, В. Катаев, М. Зощенко, Кукрыниксы. Общение с карикатуристами оказывает на молодого человека огромное влияние их взгляды на жизнь, непривычно острое мироощущение становятся для Игнатовича опорной точкой в решении заниматься изобразительным искусством. По-настоящему судьбоносным для Бориса Игнатовича явилось знакомство со знаменитым художником В. В. Лебедевым, под влиянием которого молодой редактор и начинает серьезно изучать историю и теорию фотоискусства.

Увлечение фотографией начинается с малого. Весной 1923 года Борису Игнатовичу дарят карманный "Кодак", и он просит пришедшего в редакцию "Смехача" М. Зощенко немного попозировать. Уходя же вместе с Зощенко с работы, Игнатович делает свой первый репортажный кадр снимает писателя-сатирика, покупающим яблоки. Не на шутку увлекшись фотосъемкой, молодой художник приходит к пониманию неразрывной связи технической и творческой составляющих фотографии. Он изучает технику съемки, свойства оптики, познает секреты обработки фотоматериалов, что мгновенно дает результат.

На всех фотографиях Бориса Игнатовича видно виртуозное мастерство владения камерой а ведь в первой половине прошлого века техника была далека от сегодняшних стандартов как в оперативности и удобстве работы, так и в смысле технического качества получаемого результата. Для первых "фотографических" лет Б. Игнатовича характерно использование непривычных углов съемки, острого ракурса и "косины" горизонта художник явно находится под влиянием А. Родченко. Впрочем, и в эти годы, художник не отдается слепому копированию в его работах ракурс всегда обоснован и служит выражению мысли автора.

В 1926 году в Охотном ряду, на крыше "Рабочей газеты", проходит собрание, которое учреждает Ассоциацию фоторепортеров при Доме печати уникальной организации, которая заменяет многим фоторепортерам учебные курсы и объединяет людей, преданных фотоискусству. Один из инициаторов создания ассоциации, Игнатович активно участвует в ее деятельности. Это ничуть не мешает его творческой работе в качестве фотожурналиста Игнатович сотрудничает с журналами "Прожектор", "Огонек", "Красная Нива". В 1927 году он приглашен в газету "Беднота" на должность бильдредактора. Здесь фотограф учится искусству образной публицистики, здесь же формируется его команда, в которую в дальнейшем войдет его сестра Ольга Игнатович. Публикации, например, в "Советском фото" или "Вечерней Москве", зачастую так и подписываются: "Бригада Игнатовича". Эта команда выступает против канонов салонной фотографии и режиссуры: Игнатович открывает выразительность внутрикадрового монтажа, стремясь при съемке к конструктивному размещению предметов в кадре. Руководствуясь своей теорией, фотографы стараются заполнить все поле кадра "активным материалом" изображением объектов, которые в сочетании создавали бы представление о сюжете и теме. Разрабатываются универсальные приемы: "упаковка кадра" (включение в кадр необходимого материала), "разгон по углам" (углы кадра несут смысловую нагрузку). Фотографы экспериментируют с разными типами оптики, используя объективы в несвойственных для них жанрах (широкоугольник в качестве портретного, длиннофокусный для съемки пейзажей).

Игнатович пробует себя в кинематографе в качестве оператора. В 1930 году он снимает киноочерк "Сегодня" по сценарному плану кинорежиссера Эсфири Шуб, участвует в создании кинофильма "Олимпиада искусств". Киносъемка, так же, как и фотография, показывает свойственную Игнатовичу крупность плана, динамизм и лаконичность кадра.

Впрочем, спустя некоторое время Игнатович возвращается в фотографию, снова начиная эксперименты с кадрированием и оптикой, выделяя смысловой центр композиции посредством глубины резкости и направленных к нему воображаемых линий. С 1930 года по инициативе А. М. Горького в Москве начинает выходить иллюстрированный журнал "СССР на стройке". В редакции журнала числятся такие известные фотомастера как Я. Халип, М. Альперт, А. Шайхет, Д. Дебабов, Г. Петрусов. Сотрудничает с новым изданием и Игнатович.

Один из номеров 1931 года, посвященный Ленинграду, иллюстрируется Игнатовичем и его бригадой, причем специальным уведомлением читателям сообщают, что лично Игнатовичем "производились специальные съемки с аэроплана" тогда это было большим новшеством. "Мне предоставили самолет Р-5, - вспоминает Борис Всеволодович. Пилот попался опытный и к тому же фотолюбитель. Он понял мое намерение и охотно взялся содействовать. Я сел к нему спиной и попросил лететь, как можно ниже, почти на бреющем полете. Очень хотелось дать кадры покрупнее. В руках у меня "Лейка" с единственным объективом "полтинником". Телевиков мы тогда еще не имели..." Сегодня, разглядывая эти снимки почти вековой давности, остается лишь восхищаться мастерству фотографа, который без специального оборудования, в неприспособленном самолете сделал кадры ставшие классикой достаточно упомянуть лишь "Исаакиевский собор с высоты птичьего полета".

Начало Великой Отечественной войны вынуждает талантливого фотомастера стать фронтовым фоторепортером. Игнатович неотступно следует за боевыми частями на лошади. Выходит серия кавалерийских репортажей. Форма подачи сюжетов очень разнообразна: хроникальные зарисовки, жанровые сцены, групповые и персональные портреты. Немало здесь и батальных эпизодов. Некоторое время проводит Игнатович в партизанском отряде, что позволяет ему сделать портреты и описать быт партизан. К завершению войны мастер делает фотопортреты ведущих военачальников, в том числе известнейшие снимки маршалов Г. К. Жукова и В. И. Чуйкова. Попадают в объектив фотографа и зарисовки с исторических мировых событий (маршал Жуков на конференции в немецком городе Потсдам).

После войны мастер целиком сосредоточен на мирных темах. Выходит серия пейзажей с ритмичной и стройной композицией. На кадрах почти всегда присутствует активный передний план, а последующие планы отдаляются через плавный тональный переход. Немало создает Игнатович и портретов, реалистических и даже "репортажных" по исполнению. Среди моделей фотографа скульпторы В. Мухина, С. Коненков и И. Макагон, писатель М. Шолохов, академик Д. Прянишников. Для съемки портретов мастер пользуется форматной камерой с размером фотопластины 18х24 см. Такой аппарат позволяет эффективно управлять рисунком изображения, в нужной плоскости проводя границу "резкость-нерезкость", а в дальнейшем обеспечивает возможность критичного в жанре портрета негативного ретуширования.

Борис Всеволодович щедро делится своими знаниями и опытом с молодежью. Он нередко посещает собрания в московском клубе "Новатор", популярнейшем месте общения фотографов 60 80-х гг. прошлого века, печатает статьи в журнале "Советское фото". Фотограф учит новое поколение чувствовать световой рисунок, не злоупотреблять контрастностью или недодержкой, обедняющими тональные переходы, изучать технику, развивать пространственное мышление.

Большое значение придает Игнатович умению использовать источники света и компоновать кадр соответственным образом, последовательно он проводит и мысль о необходимости искать наилучшую точку съемки, а не пытаться исправить композицию кадра фотоувеличением. Советы мастера фоторепортажа звучат актуально и сейчас, спустя более тридцати лет после его смерти. Работы же Бориса Игнатовича нашли свое место в фонде классики мирового фотоискусства.

В 1944 г. неизбежность поражения нацистской Германии была уже очевидной. Последней надеждой гитлеровцев стало Wunderwaffe - "чудо-оружие", новейшие военные технологии, опередившие своё время. Наиболее впечатляющим из достижений конструкторов Рейха стали ракеты Фау-2 (от нем. V-2 - Vergeltungswaffe-2, "оружие возмездия").
Первый старт состоялся в марте 1942 г., а первый боевой пуск - 8 сентября 1944 г.
В июле 1944 г. министр вооружений Альберт Шпеер послал приближённого к Гитлеру фотографа Вальтера Френтца сделать фоторепортаж на подземный военный завод концлагеря Дора, где лихорадочно шла сборка первой партии ракет. Репортаж предназначался для самого фюрера.
Как утверждается здесь, эти уникальные слайды были найдены сыном Френтца в 1998 г. на чердаке в старом отцовском чемодане.

Трагическая ирония истории заключалась в том, что первые в мире баллистические ракеты строили рабы. Из 2000 заключенных Доры до освобождения не дожили около половины.

Несмотря на строгий надзор охраны СС, узники умудрялись заниматься саботажем. Возможно, именно по этой причине многие ракеты так и не долетели до Лондона.

Чтобы укрыться от бомбежек союзников, немецкие заводы всё глубже зарывались в землю, в данном случае - в скальную породу:

Это - сам Вальтер Френтц. Кстати, в 1939 г. он делал цветную фотосъемку Москвы (пока не выложена в Сеть).

5. Немецкие инженеры отлаживают блок управления полётом ракеты.

6. То же самое

7. Сборка "электроники"

8. Сборка корпуса

9. Цех сборки двигателей

10. Двигатель ракеты

11. Монтаж хвостового оперения

12. Глядя на эти кадры, невольно вспоминаются слова Хрущева "мы делаем ракеты как сосиски"

13. Сборочный конвейер

14. Собранная ракета выводится для окончательного тестирования

15. Старт ракеты

Количество осуществлённых боевых пусков ракеты составило 3225. Применялась с целью запугивания, поражая в основном мирное население (погибло около 2700 человек, обстрелу подвергалась в основном территория Англии, в особенности Лондон). Военная значимость ракеты Фау-2 оказалась ничтожной.
После капитуляции Германии всё оборудование, готовые ракеты и коллектив инженеров во главе с Фон Брауном вывезли себе американцы. Для них это была готовая ракетная промышленность, сэкономленные годы труда и миллиарды долларов.
А СССР достались лишь крохи: некоторые комплектующие ракет, второстепенные конструкторы. Всё это было также вывезено и через год упорного труда кое-как удалось собрать советский вариант Фау-2.

Источник: Жжурналvisualhistory

сейчас в книжном магазине Буква продаются со скидкой 50% уникальные книги- вся вторая мировая в документальном фото.
5 или 6 больших томов.
потрясающие фотографии, которые вызывают ощущение реального пребывания в то время.
и это ощущение очень реалистично!

Напечатанные фотографии всегда обладают большим воздействием, чем на мониторе. Такова природа человека.

там не только фото, там хроники газет, листовки, агитплакаты...
там жизнь, каковой была...
причем фото такие... как бы передать... они не такие, какие мы привыкли видеть.. то есть не та документалистика, привычная нам.
там больше будней, что ли.. это и дает ощущение реальности..

Учимся фотографировать пейзаж. Самостоятельно. А можно и на фотокурсах.

Василий Сокорнов - известный крымский фотограф и художник, признанный мастер ландшафтной фотографии. Красоты Крыма привлекали фотографов с самого зарождения жанра фотопейзажа. Сегодня на фоне великолепных ландшафтов и многочисленных дворцов с удовольствием фотографируются отдыхающие, во времена же, когда фотография еще не приобрела столь массового характера, всероссийскую славу имели крымские фотоателье. Без преувеличения самым известным из них было фотоателье Василия Никандровича Сокорнова, видовые открытки которого пользовались огромной популярностью и тысячами разлетались по всей России.

Василий Сокорнов родился во Владимирской губернии и окончил начальное училище под Воронежем. Фундаментальное художественное образование молодой человек получил в Императорской Академии художеств, куда в конце 80-х годов XIX века был принят вольным слушателем на отделение живописи. Именно тогда, испытывая, как и многие студенты, материальные затруднения, Сокорнов устроился в фотоателье известного мастера Пазетти ретушером. Эта профессия его увлекла: будущий фотохудожник остался в ателье и за годы работы мастерски овладел художественной ретушью, а также освоил фотопроцессы.

К этому времени эпоха пионеров фотографии, самостоятельно изготовлявших фотопластинки, закончилась промышленное производство сухих фотопластинок позволило фотохудожникам отвлечься от технической стороны процесса и открыло для них ранее недостижимые творческие горизонты. Однако пошатнувшееся здоровье помешало молодому художнику заниматься любимым делом в Санкт-Петербурге. Вследствие открывшейся у Сокорнова хронической болезни легких, врачи настоятельно рекомендовали ему отправиться в более благоприятную для здоровья местность. Общество поощрения художников выделило деньги на эту поездку, и в последние годы XIX фотограф оказался на Южном берегу Крыма, в Алупке, тогда еще совсем маленьком городке, среди достопримечательностей которого, впрочем, уже числились дворец князей Воронцовых в готическом стиле и роскошный старинный парк.

Чистейший крымский воздух, море и неповторимая природа излечили художника, однако не поправили его финансовые обстоятельства. Картины, этюды и наброски Сокорнова не пользовались особым успехом и дохода не приносили. Тогда, заняв небольшую сумму, Василий Сокорнов приобрел фотокамеру с необходимыми принадлежностями, при помощи которой отснял и собственноручно отпечатал пятьдесят открыток с крымскими пейзажами. Скорее всего, предлагая свои новые работы хозяину магазина, продававшего его картины, художник не рассчитывал на мгновенный успех своего предприятия. Однако открытки были проданы еще раньше, чем Сокорнов покинул магазин все 50 штук приобрел случившийся рядом князь Ф. Ф. Юсупов-Сумароков-Эльстон-старш- ий, владелец Кореиза и других крымских имений. Сокорнову немедленно заказали еще сотню фотографий, а вечером следующего дня еще триста.

В России начинался бум видовой курортной открытки, отголоски которого слышатся и по сей день. Открытка быстро стала самым популярным видом почтовых отправлений и самым ходовым сувениром - только в 1912 году Крым посетили для лечения и отдыха не менее миллиона человек. Фотографические виды увозили с собой "на память", с помощью открыток сообщали о своем благополучном прибытии на курорт, делились впечатлениями и обменивались новостями. С течением времени появилась специализированная "открыточная" полиграфическая промышленность и фотоиндустрия разумеется, это стало возможно только после отмены государственной монополии на выпуск почтовых бланков. Впрочем, это все позже. К началу XX века открыток было еще не так много, и Василий Сокорнов не только поправил свои материальные обстоятельства, но и стал широко известен в Крыму, обеих столицах и за границей.

В 1900 году фирма Пазетти представила В. Сокорнова на Всемирной универсальной выставке в Париже, где крымское ателье фотографа, наряду с фирмами Пазетти из Санкт-Петербурга, Дмитриева из Нижнего Новгорода и Фишера из Москвы, получило признание и награду. Выставка открыла Василию Сокорнову и творчество представителей "новой школы": Фрэнка Сатклифа, Альфреда Герслей-Гинтона, Ганса Вачека и других художников, стоявших у истоков движения фотографии к ранее недостижимому богатству изобразительных решений.

На российских же выставках работы В. Сокорнова соседствовали с произведениями фотографов-пикториалистов, которым были близки по духу. Первой награды на родине художник был удостоен в год празднования двухсотлетия Санкт-Петербурга на международной художественно-фотографической выставке. В посвященной этой экспозиции заметке обозреватель журнала "Фотограф-любитель" отмечал: "Среди массы отдельных русских экспонатов, которых всех перечислить не в состоянии, мы останавливаемся перед работою Сокорнова, давшего большие виды Алупки и различные ночные эффекты в размер больший чем 18х24. Отпечатки его даны на сером бристоле, покрытом стеклом, благодаря чему так белы света и глубоки черные тени; среди всех этих работ пейзажи превосходны".

В дальнейшем фотограф получил множество и других знаков отличия, среди которых можно отметить серебряную медаль на международной выставке в Петербурге и серебряную медаль на фотографической выставке в Киеве. В 1908 году художник был принят в ряды Русского фотографического общества, членство в котором позволяло свободно фотографировать по всей России и давало существенные скидки при приобретении фотоматериалов. В 1912 году В. Сокорнову попробовал свои силы и в новом жанре: все тот же, первым оценивший талант фотографа, Ф. Ф. Юсупов-Сумароков-Эльстон-старш- ий, заказал В. Сокорнову фотосъемку своего имения. Фотограф с блеском справился и с этой задачей, о чем свидетельствует альбом, доныне хранящийся в Алупкинском государственном дворцово-парковом музее-заповеднике. В том же году несколько работ Сокорнова попали в книгу ученого селекционера Л. П. Симиренко, который пишет в предисловии: "Благодаря сочувствию, проявленному к настоящему изданию фотографом-художником В. Н. Сокорновым в Алупке, этим тонким и чутким понимателем красот крымской природы, удалось оживить текст, поместив ряд автотипий его фотографий-картин, которыми он разрешил мне воспользоваться в качестве оригиналов, и за это ему большое спасибо".

Однако творчество художника не всегда встречало теплый прием. Например, на Симферопольском фотосалоне В. Сокорнова критиковали за излишнюю "живописность" работ, которая якобы отдаляет изображения от "истинной" фотографии.


Начало Первой мировой войны положило конец золотому веку. Как и многие российские фотографы, В. Сокорнов начинает испытывать острую нехватку фотоматериалов: до войны рынок был практически полностью обеспечен продукцией немецкого производства. Грянувшая революция и гражданская война практически свели доходы фотоателье на нет, однако, преодолевая трудности, оно продолжало работать до 1927 года, когда все частные фотографические заведения были ликвидированы. 62-летний фотограф оказался безработным. В 1928 году В. Сокорнов был принят на работу в только что образованное государственное издательство "Крымиздат". Художник стал создателем и его логотипа, представляющего собой восходящее солнце. В это время издательство десятками тысяч переиздавало открытки с сокорновскими "Видами Крыма", что давало фотографу некоторые надежды на обеспеченную старость.

Чародейка: похожая была ситуация с обрывом?

К сожалению, им не суждено было сбыться. В соответствии с изданным в том же году постановлением ЦИК СССР, срок авторского права на фотоснимки был сокращен до пяти лет, и то только для фотоснимков, на которых были указаны фамилия и место жительства автора, год выпуска открытки и другие данные. По истечении же этого срока государство за символический гонорар в принудительном порядке выкупало права на фотоработы. Таким образом, в 1930 году в Крымиздат перешло более 1300 авторских негативов В. Н. Сокорнова. Впоследствии с них были сделаны снимки, которые вошли в фотоальбомы, неоднократно издававшиеся многотысячными тиражами.

Однако художник продолжал работать, несмотря на приближающуюся старость. В 1937 году после многолетнего перерыва Василий Сокорнов вновь принял участие в фотовыставке. Его работы произвели такой фурор, что на некоторое время мастер стал едва ли не официальным фотографом-пейзажистом Крыма, уже в то время приобретавшего статус всесоюзной здравницы. Помешала опять война. Сокорнов снова, теперь уже в последний раз, сменил жанр до нас дошли датированные 1944 годом снимки выздоравливающих солдат и офицеров, проходивших курс реабилитации в крымских госпиталях. Пытаясь сохранить свои работы, в эти же годы В. Сокорнов передал 100 своих лучших фотографий государству, в Алупкинский дворец-музей. Увы, после превращения государственного музея в госдачу все они сгинули безвозвратно. Впрочем, фотограф этого уже не увидел. Он скончался в 1946 году и нашел последний приют на старом алупкинском кладбище, где можно до сих пор видеть его могилу.

Больше работ смотрим в инете.

Карл Булла - один из родоначальников русской фотожурналистики, искуснейший мастер портретного жанра, автор фотопортретов многих выдающихся деятелей русской культуры и искусства конца XIX-начала XX века. Будущий основоположник жанра российского фоторепортажа родился 26 февраля 1855 года в Пруссии в провинции Леобшютц в семье купца.

Собственно российская история фотографа начинается по разным источникам в десяти- или двенадцатилетнем возрасте, когда он вместе со своими родителями попадает в Санкт-Петербург. Мальчика сразу же определяют на работу в фирму по изготовлению и продаже фотопринадлежностей, где он и постигает основы мастерства. Начав в качестве посыльного, Булла постепенно становится лаборантом, а затем и учеником, без устали изучая по иностранным журналам технологию полива и очувствления фотоэмульсии. Спустя долгих двадцать лет бывший "мальчик на побегушках" открывает собственное дело по производству сухих желатиновых фотопластинок. Это предприятие выявляет недюжинное коммерческое дарование начинающего дельца: пластинки его фотолаборатории дают ему отличный доход.

Однако настоящую известность приносит Карлу Булле его фотографический талант. Свое первое фотоателье Карл Булла открывает в 1875 году. Молодой фотограф сразу показывает себя великолепным портретистом, и его павильон на Садовой улице приобретает большую популярность у столичной публики.

Примерно в это же время, в 1876 году, Булла подает прошение о разрешении принять присягу на подданство России, которое вскоре удовлетворяют. Павильонная фотосъемка неуклонно входит в моду, и в конце XIX века сделать свой портрет у прославленного мастера стремятся представители всех сословий петербургского общества от студентов до дворянства и сливок российской литературы. Портреты в его исполнении отличаются удивительными для своего времени естественностью и непринужденностью по свидетельствам очевидцев, Булла, первый из фотографов, просил своих моделей: "Будьте поживее, не сидите так натянуто!" Привязанность к портрету Карл Булла сохраняет на всю жизнь. Однако уже в середине 90-х годов Карл Булла открывает себе и России новый жанр фотоискусства.

Разрешение на производство "всякого рода фотографических работ вне дома" дальновидный предприниматель испросил и получил еще в 1886 году, хотя в то время подобные занятия, малоперспективные с коммерческой точки зрения, его не привлекли. Время репортажа приходит в 1894 году, когда Министерство внутренних дел разрешает "бланки открытых писем частного изготовления" в стандарте Всемирного почтового союза. Именно теперь, когда "уличная" съемка может быть весьма прибыльна, Карл Булла открывает типографию для печати открыток и начинает работать в жанре фоторепортажа.

В интересы хроникера входит все: уличные сцены, архитектура, транспортные средства и представители самых разных профессий от пожарного до сестры милосердия. Снимки в его исполнении продаются в собственном фотоателье мастера, а также публикуются на страницах самых известных русских и зарубежных газет и журналов, что и дает начало настоящей известности Карла Буллы. Он становится пионером и репортажного портрета: именно по фотографиям Карла Буллы мы знаем облик Ф. Шаляпина, Л. Толстого, И. Репина как живых людей, на лицах которых отражаются переживания и заботы дня насущного. Фотограф настолько популярен, что его знаменитые модели нередко хотят сфотографироваться вместе с ним. Например, такое желание выразил Лев Толстой в результате, на портрете, выполненном сыном Карла Карловича Виктором, мы можем сегодня видеть вместе великого писателя и великого фотографа.

В 1904 году мастер получает разрешение снимать "виды столицы, а также торжества в Высочайшем присутствии", позволившее ему сохранить для потомков изображения царственных особ. После этого фотографическое предприятие Карла Буллы переживает подлинный расцвет. Официальный фотограф Министерства Императорского двора, Императорской Публичной библиотеки, Управления Санкт-Петербургского градоначальства, Российского общества Красного креста, Императорского Российского пожарного общества и множества других учреждений столицы, официальный иллюстратор журналов "Нива", "Огонек", "Петербургская жизнь", "Столица и усадьбы", Булла фиксирует все стороны жизни столицы, оставляя потомкам уникальные документы, позволяющие почувствовать живое веяние эпохи.

Очередную фотомастерскую по адресу Невский, 54 Карл Булла открывает уже как общепризнанный мастер, обладатель многих почетных наград (крест Румынской короны от короля Румынского, орден "Звезда Льва и Солнца" от шаха Персидского, кавалерский орден Итальянской короны от короля) и сословный купец (позднее Булле было пожаловано и личное дворянство).

Вот как характеризует Буллу рекламное объявление в журнале: "Старейший фотограф-иллюстратор К. К. Булла занимается фотографированием для иллюстрированных журналов на злобу дня.. Снимает все, в чем только встретится потребность, везде и всюду, не стесняясь ни местностью, ни помещением, как днем, так и во всякое вечернее время, при искусственном свете". В прославленной фотомастерской Карл Булла работает вместе с сыновьями, которые продолжают дело отца. В 1916 году мастер, по непроверенным данным, окончательно передает им свое фотографическое дело, а сам уезжает в Эстонию, где мирно заканчивает свои дни в 1929 году, снимая этнографический материал и обучая местных жителей искусству фотографии.

Хотя оба его сына, Виктор и Александр, стали известными фотографами, судьба их сложилась несчастливо. Известнейший павильонный фотограф Александр Булла по обвинению в контрреволюции был сослан на Беломорканал, где скончался в 1934 году. Виктор Булла снимал события революции в октябре 1917 года, создал цикл снимков, посвященных Ленину, Зиновьеву, Каменеву, Сталину, был по существу штатным фотографом Смольного. Однако по ложному доносу в июле 1938 года он был арестован, спустя несколько дней подписал "чистосердечное" признание, а в октябре того же года расстрелян.

Карл Булла и его сыновья оставили грандиозное фотографическое наследие. Их снимки представлены в коллекциях Государственного Эрмитажа, Российской национальной библиотеки, Государственного музея истории Санкт-Петербурга, а также частных собраниях. В Государственном архиве кинофотофонодокументов Санкт-Петербурга содержится до 200 тысяч стеклянных негативов. Часть фотографий уцелела только благодаря дальновидности Виктора, который начал передачу государству архива и за три года до ареста успел передать более 130 000 негативов, из которых почти половина была создана Карлом Буллой или при его участии.

Что касается легендарной фотомастерской по адресу Невский, 54, то она существует и по сей день. До конца 90-х годов петербуржцы имели возможность сфотографироваться в принадлежавшем некогда семье Булла ателье (которое получило название "Фотография 1") Сегодня фотосалон реконструирован, и там открыт музей, где хранится множество документов и прославленное оборудование, по-прежнему в рабочем состоянии.

Больше работ смотрим в инете.

Фотограф с мировым именем, культовая личность в истории мировой фотографии, выдающийся мастер отечественной культуры первой половины ХХ века Александр Родченко родился в 1891 году в семье театрального бутафора. Его отец отнюдь не желал, чтобы сын пошел по его стопам, и всеми силами стремился дать мальчику "настоящую" профессию.

В автобиографических записках Родченко вспоминал: "В Казани, когда мне было лет 14, я забирался на крышу летом и писал дневник в маленьких книжках, полный грусти и тоски от неопределенного своего положения, хотелось учиться рисовать, а учили на зубоврачебного техника..."

Будущий фотограф-авангардист успел даже два года поработать в технической протезной лаборатории Казанской зубоврачебной школы доктора О. Н. Натансона, но в возрасте 20 лет оставил занятия медициной и поступил в Казанскую художественную школу, а затем и в московское Строгановское училище, которое открыло ему путь к самостоятельной творческой жизни.

К фотографии Родченко обратился не сразу. В середине десятых годов XX века он активно занимался живописью, а его абстрактные композиции принимали участие во многих выставках.

Немного позже он проявил свой талант на новом поприще, приняв участие в оформлении кафе "Питтореск" в Москве, и на какое-то время даже отказался от живописи, обратившись к "производственному искусству" течению, в крайней своей форме отрицавшему искусство и обращавшемуся сугубо к созданию утилитарных предметов.

Кроме того, в конце десятых начале двадцатых годов молодой художник много участвовал в общественной жизни: он стал одним из организаторов профсоюза художников-живописцев, служил в отделе ИЗО Наркомпроса, заведовал Музейным бюро.

Фотографировать Родченко начал в начале 20-х годов. Открыв новое для себя искусство, Родченко был им полностью захвачен. Правда, он в то время больше интересовался "чистой композицией", исследуя, как влияют друг на друга расположенные на плоскости предметы.

Скоро молодой фотограф создал себе репутацию новатора, выполнив ряд коллажей и монтажей с использованием собственных фотографий и вырезок из журналов. Работы Родченко печатались в журналах "Советское фото" и "Новый ЛЕФ", а Маяковский пригласил его для иллюстрирования своих книг. Фотомонтажи Родченко, использованные при оформлении издания поэмы Маяковского "Про это" (1923 г.) стали началом нового жанра.

С 1924 года Родченко все чаще обращался к портрету и репортажу, однако и здесь он привносил что-то новое, свое. Фотохудожник создал свои собственные каноны, обеспечившие его работам почетное место в любом современном учебнике фотографии.

Большой вклад внес фотограф и в развитие жанра фоторепортажа именно Александр Родченко первым применил многократную съемку человека в действии. Фоторепортажи Родченко публиковались в целом ряде центральных изданий: газете "Вечерняя Москва", журналах "30 дней", "Даешь", "Пионер", "Огонек" и "Радиослушатель".

Однако "визитной карточкой" Родченко стали ракурсные снимки художник вошел в историю с фотографиями, сделанными под непривычным углом, с необычной и зачастую неповторимой точки, в ракурсе, искажающем и "оживляющем" обычные предметы.

С 1927 года в журнале "Новый ЛЕФ", членом редколлегии которого был и сам Родченко, он начал публиковать не только снимки, но и статьи ("К фото в этом номере", "Пути современной фотографии" и др.) Однако для того времени некоторые его эксперименты показались слишком смелыми: в 1932 году высказывалось мнение, что знаменитый, снятый с нижней точки "Пионер-трубач" Родченко похож на "откормленного буржуа", а сам художник не хочет перестраиваться в соответствии с задачами пролетарской фотографии.

Съемка строительства Беломорканала в 1933 действительно заставила Родченко во многом переосмыслить отношения искусства и реальности, которая казалась художнику все менее вдохновляющей. И тогда на фотографиях Родченко невиданные стройки социализма и новая советская действительность стали уступать место особому миру спорта и цирка. Цирку Родченко посвятил целый ряд серий снимки должны были войти в специальный номер журнала "СССР на стройке". К сожалению, выпуск был подписан в печать за пять дней до начала Великой Отечественной войны и никогда не увидел свет.

В послевоенные годы Родченко много работал в качестве оформителя и вернулся к живописи, хотя по-прежнему нередко обращался к любимому жанру фоторепортажа. Его "нестандартное" творчество по-прежнему вызывало в официальных кругах определенные сомнения. Все это закончилось тем, что в 1951 году Родченко исключили из Союза художников. Однако, спустя всего три года, в 1954 году, художник был вновь восстановлен в этой организации. 3 декабря 1956 года Александр Родченко скончался в Москве от инсульта и был похоронен на Донском кладбище.

Равных ему нет до сих пор! Недавно в Венеции его сын предоставил работы своего легендарного отца.

Клайд Батчер - знаменитый американский фотографии, прославившийся пейзажными фотографиями Флориды.

В основном его работы - это чёрно-белые пейзажи сверхкрупного формата (печать до 2x3 м).

Родился Батчер в городе Канзас-Сити в 1942 году. Его семья вела кочевой образ жизни, но в итоге обжилась в южной Каролине, где будущий фотограф в 1960 году поступил в Калифорнийский политехнический институт и изучал архитектуру.

В 1963 году Батчер познакомился с творчеством Анселя Адамса, и он был очень впечатлен работами классика.

Во время учёбы Батчер представлял свои архитектурные проекты путём создания и съёмки небольших макетов, которые располагал рядом с невысокими растениями и деревьями, чтобы они выглядели реалистичными. И все это потому, что совершенно не умел рисовать.

После колледжа Батчер начал работать по профессии, но через некоторое время потерял работу. Тогда Батчер стал выставлять свои работы на улице во время местных фестивалей искусств.

Со временем он понял, что фотографией может заработать больше, чем работая в архитектуре.

С 1970 года он полностью посвятил себя пейзажной фотосъёмке.

Батчер основал бизнес, продавая свои снимки для украшения стен в разные компании. Постепенно его бизнес развился в компанию из 200 сотрудников с офисом в Акрон (Огайо) и ещё одним в южной Калифорнии.

Основные съёмки в то время проходили к западу от Скалистых гор и на северо-западе Тихого океана. Это был непростой период жизни Батчера. В то же время они с женой много путешествовали на яхте.

Несколько лет Батчер с семьей (женой Ники и двумя детьми) жили на своём судне, пришвартованном в гавани Ньюпорт-Бич. У них не было электричества, а отсюда и остальных благ цивилизации, но это давало им чувство уединения и ощущение покоя. Позднее семья перебралась во Флориду.

Батчер продал свой бизнес в Калифорнии и вернулся к продаже своих работ на уличных мероприятиях. В 1986 году погиб его сын Клайд. Пытаясь оправиться от потрясения, Батчер уехал в пустыню в уединение. Он полностью отказался от цветных фотографий, которые делал больше с коммерческими целями, и вернулся к чёрно-белым пейзажам.

Очень красиво! Спасибо за подборку!

Практически во всех работах Клайд использует такой сильный визуальный элемент, как водная гладь. Похожие работы можно снять не только во Флориде, но и в России. Достаточно всего лишь грамотно найти место и точку съемки. Более подробно об этом буду рассказывать на фотокурсах. Записаться можно в прикрепленной теме "Предложение".

Больше работ смотрим в инете.

Клуб Рисовальщиков: пожалуйста.

Взято из интернета:

Дмитрий Бальтерманц. Главные часы государства. Красная площадь, Москва. 1964. Авторский отпечаток. Музей "Московский Дом фотографии"
В экспозицию вошло более 200 черно-белых и цветных фотографий 1940-1980-х годов. Большую часть выставки составляет хроника Великой Отечественной Войны, включающая знаменитый снимок "Горе" (1942) и кадры битвы под Сталинградом. Знаменитая серия "Шесть генеральных..." - портреты генеральных секретарей, от Сталина до Горбачева, снятые во время официальных встреч и визитов. На цветных фотографиях 1950-1960-х годов запечатлена повседневная мирная жизнь Москвы, Алтая, Чукотки, Узбекистана, Вьетнама, Кубы и других стран, в которые Бальтерманц ездил как фотокорреспондент журнала "Огонёк".
О том, как перспективу карьеры математика затмило увлечение фотографией, едва не стоившее жизни.

Жизнь Бальтерманца - курс на преодоление, хотя он никогда ни с кем не сводил счетов. В бытность Бальтерманца военным фотокором "Известий" его снимки по ошибке редактора ушли в печать с неверными подписями - фотографа в итоге "сослали" в штрафной батальон. Выжил, вернулся с войны - и безрезультатно искал работу: штрафбат в сочетании с национальностью сделали свое дело. Только главред "Огонька" Сурков решился приютить Бальтерманца, и он проработает в журнале до самой смерти в 1990-м. Так что ретроспектива - не только рассказанная посредством снимков эпоха, но и переплетающаяся с ними биография человека, который окончил мехмат, да выбрал другую дорогу. Едва ли он тогда предполагал, что останется в истории среди самых известных отечественных фотографов.

Адрес: Остоженка 16 (м. Кропоткинская). Выставка работает до 7 октября с 12. 00 до 21. 00.
Тел для справок +7 (495) 637 1100

Мэри Эллен Марк родилась в 1940 году в Пенсильвании (США).

Фотографирует с 9 лет.

В 1962 году в родном городе окончила университет по специальности "Живопись и история искусств".

Через пять лет она переехала в Нью-Йорк и занялась фотожурналистикой.

С 1969 года начала работать фотографом на съемочных площадках фильмов.

С тех пор Мэри Эллен посетила съемки более сотни фильмов, а ее работы почти полвека издаются в самых престижных журналах мира.

На ее фотографиях можно увидеть и знаменитостей разного ранга, и обычных людей.

Что привлекло в фотографиях?

Выразительность портретов и четкая завершенность композиции.

Существует мнение, что фотографируя знаменитостей фотограф делает на их именах себе имя.

В данном случае это справедливо лишь частично даже если бы персонажи фотографий были бы не знакомы, взгляд все равно остановился бы на них.

Болгарский фотограф Димитар Варийски делает интересные уличные фотографии.

Среди них есть и портреты людей, и жанровые сцены, и репортажные работы.

Часть фотографий постановочная, однако все они сделаны на улицах города, чаще всего Софии.

Просматривая фотографии Димитара, поймал себя на мысли, что большая из них это социалка.

Бомжи, бездомные, старушки.

Ориентированные на жалость зрителя.

Такие спекуляции мне не очень нравятся.

Но другую часть работ, сделанных классно, без привязки к социалке, с удовольствием размещаю в этой теме.

При желании можете поискать работы этого автора в инете.

Главная тема творчества французского фотографа Филиппа Плиссона (р. 1947) - Мировой Океан во всех проявлениях.

Фотосъемка моря, бывшая когда-то просто увлечением, стала ого профессией, и теперь он один из немногих фотографов-маринистов.

В 1991 году Плиссон со своей женой Мари-Бриджит создал компанию Pecheur dimages, которая популяризировала работы самого Плиссона и родственных ему по духу друзей-фотографов.

А в городке Ла Трините-сюр-Мер была открыта фото-галерея.

Филипп Плиссон носит звание официального фотографа Морского флота Франции, присвоенное ему министром обороны.

Он удостоен многих высоких наград.

Фотограф путешествует вместе со своей командой, в которую входит и его младший сын - Джульем, который также стал фотографом-маринистом.

Филипп Плиссон - автор множества выставок, почти четырех десятков фотоальбомов.

Самый известный из них, переведенный на восемнадцать языков, в том числе русский, - "Море".

Больше работ смотрим в инете

Казалось бы, ну море, океан. Закат, рассвет, волны...

Что там можно снять кроме побережья?

В работах Филиппа присутствует и статика, и динамика.

Он показывает тот ракурс, на который многие просто не обратили бы внимание.

Это и есть установившийся взгляд фотографа.

Многие считают, что съемка детей беспроигрышный вариант.

Они берутся за этот непростой труд и... проигрывают.

Ведь, несмотря на искренние эмоции моделей, все же необходимо уметь находить контакт с ними.

Моника Зборовска фотограф из Ирландии.

В ее портфолио присутствуют разные работы, но больше всего она снимает детей.

И надо сказать, что у Моники это получается весьма неплохо.

Про все работы Моники нельзя сказать, что они шедевральны, но ряд фотографий представляет интерес.

Удачное сочетание компоновки кадра, цветовой гаммы.

Вне конкуренции эмоциональные снимки.

Размещаю небольшую подборку.

Она лучше, чем схемы, как фотографировать детей.

Другие фотографии смотрим в инете.

А вот так видят фотографию дизайнеры

Саролта Бан дизайнер ювелирных изделий, а также фотограф из Будапешта.

Всему, что она умеет, научилась самостоятельно: и фотографировать, и превращать свои снимки в фотокартины.

Саролта обычно немало времени проводит с каждой своей работой, используя при этом до 100 различных слоев для одного изображения.

Как говорит сама Сарлота: "Надеюсь, что смысл моих произведений в какойто мере открыт для интерпретаций, и каждый человек видит в них чтото своё, личное.

И я даже счастлива, когда разные зрители по-разному объясняют, что именно изображено на моих работах".

Что привлекло в этих работах тонкое сочетание равновесия и стиля.

Пусть это не чистая фотография, но в каждой работе заложена своя идея.

Каждая работа обладает грамотной композицией.

Как вид современного искусства, на мой взгляд, очень даже интересный.

Больше работ смотрим в инете.

на просторах инета нашла... правда, зорово получилось, в смысле хороший кадр?

Снимок то прикольный. А какое он отношение к Саролте Бан имеет?

не заводить же новую тему, чтобы тебе показать это...))) ну, извини...

Лилиан Бассман (р. 15 июня 1917 года) дочь русских эмигрантов, родилась Бруклине, Нью-Йорк.

Уже на новой родине ее родители присоединилась к группе свободного мышления еврейской интеллигенции.

Пятнадцатилетней девушкой она вышла замуж, и этот ранний брак продолжался более 70 лет.

В юности она была моделью, дизайнером, а в фотографию пришла, когда ей было 29 лет в 1946 году.

На творчество Лилиан оказала влияние пикториальная фотография.

Это была удивительная женщина. Она одной из первых фотографов обнажила моделей до белья, вопреки строгой общественной морали того времени.

Бассман начинала снимать главным образом своих подруг, и её коммерческие съемки превращались практически в психологические портреты, что придавало ее фотографиям особую ауру.

На черно-белых снимках Лили женщины изящные неземные создания.

С 1940-х Бассман работает является арт-директором Harpers Bazaar.

Помог адаптироваться в мире моды ей русский эмигрант Алексей Бродович.

Именно под его руководством она начала создавать свои необычные фотографии моделей, которые регулярно появлялись в журнале 1950-1965 годы.

Лилиан перестала фотографировать в 70-е годы, однако вновь вернулась к творчеству после поразительного успеха выставки фотографий 1992 года, напечатанных с ее старых негативов.

Типично женский взгляд на женщину, ее состояние, образ.

Другие работы ищем в инете.

Спасибо... я всегда уважала еврейсую интеллигенцию...

На творчество Лилиан оказала влияние пикториальная фотография (с)

Ежели коротко и по-простому, не для профи- что такое "пикториальная фотография"?

Ну если по русски и просто - художественная фотография. Когда фотография только появилась, было много споров, можно ли изображение, получаемое с помощью механического аппарата называть произведением искусстваили нет. Пикториалисты доказывали это тем, что уменьшали реальность снимка, за счет мягкой оптики и других приемов. Если еще раз посмотрите на изображения, некоторые из них похожи на акварель. Т. е. фотограф вносил в процесс съемки свою творческую составляющую.
Уже позже появилось авторское видение и стиль...

Теперь понятно.

Портреты, сделанные Ричардом Аведоном, не зря стали классикой фотографии. Казалось бы, ничего сверхъестественного в них нет: просты и свет, и композиция. Вот только есть что-то в выражении глаз моделей, в их позе, в энергетике, которая так и льется с каждого снимка.

Ричард Аведон родился в 1923 году в Нью-Йорке. Его отец был владельцем популярного магазина женской одежды, поэтому будущий фотограф с детства знал мир моды.
Фотографией Аведон увлекся в десять лет. Он был замкнут и малообщителен, потому вместо уличных игр решил изучить семейную камеру Kodak. Первыми моделями начинающего фотографа стали Сергей Рахманинов, который был соседом его деда, и младшая сестра. Кроме того, Аведон бродил в поисках натуры по Центральному парку Нью-Йорка и вступил в фотокружок.
В старших классах Аведон серьезно увлекся литературой. В течение нескольких лет он был редактором школьного литературного журнала "The Magpie", а в 1941 году юноша стал лауреатом поэтического конкурса городских школ Нью-Йорка. Увлечение литературой оказало огромное влияние на стиль мастера. При всей увлеченности литературой, не забывал Аведон и про фотографию. Особенно Аведона восхищали работы знаменитого фотографа Мартина Мункачи.

После окончания школы в 1942 году молодой человек поступил на службу в фотоотдел Управления американским торговым флотом. Работая сначала помощником фотографа, а затем и фотографом, Аведон в основном фотографировал новобранцев для документов. Однако эту работу он воспринял как хорошую школу: делая фотографии солдат, он изучал строение лица, мимику и приемы портретирования.

Через два года фотограф смог уговорить управляющего отделом модной одежды одного из крупных магазинов одолжить ему несколько платьев для фэшн-съемки. Все, что было накоплено, ушло на найм профессиональной фотомодели. И, как оказалось, совсем не зря. Магазин приобрел работы Аведона и подписал с ним контракт, предложив дальнейшее сотрудничество.

Собрав портфолио, Аведон поступил в "Лабораторию дизайна" нью-йоркской Школы общественных исследований (New York's New School for Social Research). Там он познакомился со знаменитым дизайнером русского происхождения Алексеем Бродовичем. Благодаря Бродовичу, в 1946 году фотографии Ричарда Аведона появились на страницах журнала "Harper's Bazaar", где дизайнер работал выпускающим редактором.

Работы Аведона произвели фурор. Его фотографии были совершенно не похожи на стандартные изображения, которые всегда публиковали модные журналы. Как говорил сам фотограф: "Мне нравились воображение и веселье девушек, я обожал смотреть, как они двигаются. Я интересовался не собственно модой, но хотел отобразить на снимках этот взрыв энергии и радости". После этого Аведон был принят в штат "Harper's Bazaar", а уже через год организовал собственную фотостудию.

Сотрудничество Ричарда Аведона с модными журналами "Harper's Bazaar" и "Vogue" продолжалось с 1946 по 1966 год. Это были годы становления и расцвета фэшн-фотографии. Фотографу покровительствовали знаменитые редакторы модных журналов Диана Вриланд, Кармел Шоу, Марвин Израэл, его коллегами были Ирвин Пенн, Хиро и Бен Девидсон. Аведон стоял у истоков жанра, совмещавшего фэшн-съемку c реальностью.

Пятидесятые годы стали для Аведона расцветом карьеры. В это время были сделаны многие его шедевры, например, снимок любимой модели Кристиана Диора -Давимы в платье от Ива Сен Лорана в окружении африканских слонов.
Надо сказать, Ричард Аведон никогда не ограничивался только фэшн-фотографией. С 1952 по 1954 год, не прекращая работы с модными изданиями, Аведон был редактором и фотографом в журнале "Театральное искусство". А в 1956 году, в качестве художественного консультанта и автора фотографий, он принял участие в съемках фильма "Fanny Face" режиссера Стенли Донена с Одри Хепберн в главной роли.

В 1959 году вышел альбом фотографий Ричарда Аведона под названием "Наблюдения" ("Observations"). Над ним работали сам Ричард Аведон (автор фотографий), Алексей Бродович (автор полиграфического оформления) и Трумен Капоте (автор текстов). При этом, по настоянию Бродовича, Капоте пришлось изменять текст так, чтобы каждый абзац начинался с определенной буквы.
В 1962 году в Смитсоновском институте Вашингтона прошла авторская выставка Ричарда Аведона, в оформлении которой также участвовал Алексей Бродович, который. принимал участие в судьбе Ричарда Аведона до конца своей жизни, хотя их отношения нельзя было назвать безоговорочно дружескими. Они навсегда остались строгим учителем и "нерадивым" учеником. "Он так и умер, ни разу не похвалив меня", - признался Аведон после смерти Алексея Бродовича в 1971 году.

В 1966 году Ричард Аведон из "Harper's Bazaar" перешел в "Vogue". Именно с его легкой руки стала известна миру модель Твигги, фотографии которой были впервые опубликованы на страницах этого журнала. Для "Vogue" Аведону позировал Энди Уорхол со свежими шрамами после операций и Ринго Старр с белым голубем на руке. Конечно, список знаменитостей, позировавших Аведону, значительно больше.

Проверенный и самый любимый прием фотографа при портретной съемке - нейтральный, чаще всего белый фон. Фотограф писал об этом так: "Я всегда, с самого начала, пользовался белым фоном. Серый фон - только тогда, когда присущий ему викторианский романтизм входит в конфликт с объектом съемки, как это видно на примере Энди Уорхола, демонстрирующего свои шрамы. При работе с белым фоном очень трудно удержаться от того, чтобы графичность не вышла на первый план".

В семидесятые годы на фотографиях Аведона появляются герои, далекие от моды, ведь это время хиппи и войны во Вьетнаме. В разгар вьетнамской войны фотограф прибыл в Сайгон для съемки американских солдат. Это поездка принесла ряд снимков, при работе над которыми Аведону удалось очень успешно испытать себя в новом жанре военного репортера.

К этому времени Аведон уже перестал восприниматься как фотограф моды. Галереи Америки борются за каждую его экспозицию. В 1970 году в Миниаполисском Институте Искусств прошла выставка Ричарда Аведона - ретроспектива портретов, сделанных в 1945-1970 годах. В 1974 году нью-йоркский Музей современного искусства демонстрировал экспозицию, посвященную отцу мастера. В 1975 году в Нью-Йорке состоялась выставка "Портреты", куда вошли также и работы антивоенной тематики. В 1978 и 1980 годах в музее Метрополитен (Нью-Йорк) и Музее Института искусств (Беркли) прошли ретроспективы фэшн-фотографий Аведона. Почти дин за другим выпускаются несколько фотоальбомов.

К концу семидесятых годов Аведон начинает работу в стиле "реальной" фотографии, который давал портреты, отчетливо прорисованные до последней морщинки, родинки. В таком стиле выполнен альбом "Американский запад" (1985). Это опять было что-то новое, однако поначалу это понравилось не всем.

Портреты проекта "Американский запад" казались странными, выставку принимали не все музеи, альбом многие воспринимали очень негативно. Вот какое высказывание появилось в одной статье: "Он изображает американский запад, как быдло, состоящее исключительно из уродов". И лишь через много лет фотографии провокационного альбома были оценены по достоинству и заняли подобающее им место, как уникальные документы, непредвзято запечатлевшие целую эпоху.

С 1992 года Ричард Аведон работал штатным фотографом в еженедельнике "The New Yorker". Без его работ не обходилась почти ни одна статья. Одновременно Аведон занимался и личными проектами. При работе над серией "За демократию" на 82 году жизни 1 ноября 2004 года Ричард Аведон скончался от кровоизлияния в мозг.

интересная тема, спасибо!

Фото девушки с зонтом мне особенно понравилось.

Пожалуйста. Рад, что понравилось.

Спасибо, Андрей!)))

Однажды Бен сфотографировал небо во время лунного затмения и с тех пор звездная ночь его страсть.

Он ищет места, удаленные от цивилизации, и в них черпает свое вдохновение.

Причем объектом его творчества является не только небо, но заброшенные дома.

Им он дает вторую жизнь, запечатлевая их на фотокамеру, предварительно подсветив изнутри.

Ночная съемка не такая сложная, как кажется.

Но накладывает определенные ограничения.

Достаточно проблематично снимать движущиеся объекты, если только смаз не является задумкой кадра.

И наличие штатива - без него будет достаточно сложно снимать на длинных выдержках.

При съемке ночью можно получить картинку, которая отличается от того, что вы видите, т. к. за несколько секунд экспонирования, объекты с хорошей отражающей способностью, которые в мгновение времени не очень яркие, могут набрать интенсивности и преобразить снимок.

При съемке в течении нескольких минут - часов - можно получать такие работы

А это типичный пример архитектурной подсветки. Всю работу по освещению за вас сделали архитекторы.

Кто заинтересуется - более подробно смогу рассказать о ночной съемке на фотокурсах.

Ниткнулся на просторах инета на перевод статьи финского фотографа Петтери Сулонен. Иногда размышления несколько пространны. Возможно особенность перевода. Но интересные мысли про фотографию есть. Размещаю без корректировки.

Каждая форма искусства имеет свою уникальную силу. Одарённый живописец может показать нам наше бессловесное бессознательное. Мы можем вскарабкаться по хрустальной лестнице сонаты Баха до вершины вечного мира, света и гармонии. Мы можем жить, любить, страдать и умирать с Раскольниковым и Отелло; такова сила искусства слов. Сила же фотографии в том, чтобы показать нам, что спрятано под кожей мира: открыть то, что не видно простому взгляду. Это форма искусства человеческого масштаба. .

Фотография уникально соединена с миром. Различие между изображением и объектом в фотографии размыто больше, чем в любом другом виде искусства, возможно за исключением её двоюродного брата, кинематографа. Трудно отделить эмоциональную силу фотографии от её объекта. Однако, различие между отличной и посредственной фотографией состоит в том, что посредственная принижает свой объект, в то время как отличная несёт нам больше чем случайную встречу с объектом, который она изображает. В этом заключается сила таких работ, как "Кочевники" Андре Серрано или American Polaroids Марка Махера.

Масштаб и эмоция
Разные формы искусства имеют разные масштабы. Я бывал в Гималаях, где горы кажутся бесконечной высоты. В то же время я никогда не видел фотографии горы, которая передавала бы этот масштаб и величие хотя бы отдалённо похоже на реальность. На фотографиях горы становятся всего лишь колоритом. Грандиозные пейзажи вызывают благоговение, а эту эмоцию нелегко передать. Из всех форм искусства это под силу только кинематографу. Сигнальные огни Гондора, работающие двигатели Титаника и текучая фантасмагория над Метрополисом впечатляли меня таким же образом, как и Гималаи, увиденные вблизи. Это не останавливает фотографов-пейзажистов от продолжения попыток. И почти так же неизменно вид, внушающий благоговение, превращается в миленькую открытку. Использование больших форматов не помогает - сделав огромный отпечаток, мы просто получаем миленькую открытку огромного размера.

Примечание к фото: Широко распахнутое пространство и всё такое. Мда.

Так как у большинства людей плохой вкус, они легко принимают миленькие открытки за хорошую фотографию, особенно если они представлены в виде больших, безукоризненно чётких отпечатков. Отсюда и успех таких фотографов, как Адам Бриот, Майкл Рейхманн, и Кен Рокуэлл. Их фотография - чистой воды соцреализм, разве что не такая честная насчет своей программы - неотступно радостная, настойчиво приятная, изображающая мир не таким, какой он есть, но таким, каким он, конечно же, должен быть... без малейшей власти разбудить что-либо, кроме самых банальных и сахариново-сладких эмоций.

Примечание к фото: "О нас пишут в Правде" (Алексей Васильев, 1951)

Фотография находит саму себя в человеческом масштабе. Если фотография, которая пытается передать нечто великое, кажется ненастоящей, то и не так уж много других форм искусста, которые могли бы ассоциироваться с сопереживанием. Фотограф может пробудить сочувствие, страх, ужас, отвращение, радость, гнев или юмор - и, конечно, личностные эмоции вроде печали, вожделения, насмешки или снисхождения. Он делает это путём показывания нам того, что прошло бы мимо наших глаз. Хорошая фотография хватает нас, трясёт и кричит: СМОТРИ!

Текст и Контекст
Изобразительное искусство - вроде хамелеона. Оно никогда не бывает определённым, каждое впечатление от произведения искусства всегда разное, созданное совместно художником и зрителем. Не найдётся двух людей, вопринимающих произведение совершенно одинаково, и одно и то же произведение может оказать совершенно разное впечатление на одну и ту же персону в разные моменты. Современный западный горожанин не может даже надеяться пережить что-либо хоть отдалённо похожее на чувства человека, разрисовавшего стены пещеры в Ласко. Искусство иногда бывает как необработанный алмаз: на первый взгляд он неотличим от простой гальки, но если его поднести к свету, откроется внутренний огонь. Или может быть, внутреннего огня нет, и произведение лишь содержит силу, чтобы раскрыть то, что находится в окружающем его свете. Это есть танец текста и контекста.

Посмотрите на изображение молодого араба рядом с грузовиком. В нём нет ничего впечатляющего. Затем прочитайте подпись. Внезапно изображение приобретёт совершенно новое значение. Оно может вызвать сильные эмоции, от ярости и гордости до горя и торжества, в зависимости от того, что гласит подпись, кто вы сами и откуда вы произошли.

"Фотография, распространённая группой подрывников-самоубийц Абу-Мусаба аль-Заркуави, называющейся Джихад Саиф-уль-Ислам, сделанная в момент, когда он готовился к подрыву отделения полиции в Садре. Взрыв унёс жизни 43 человек, включая 8 детей."
"Сирийский водитель Мухаммед Обейд, работающий на KBR в Ираке, застрелен на американском КПП недалеко от Фалуджи. Согласно заявлению американских военных, он проигнорировал неоднократные приказы остановиться и предупредительные выстрелы морских пехотинцев. Последующее расследование показало, что тормоза на его грузовике не сработали. У него осталась жена и пятеро детей."
"Сирийский водитель грузовика, довольный тем, что успел приехать в Ливан прямо перед началом страшного шторма, заблокировавшего дорогу." (Это, на самом деле, и есть правильная подпись.)

Изображение без контекста не имеет особого смысла. Но всё же у него есть сила, чтобы продолжить подпись, придать ей окраску, правдивость и воздействие свыше слов или простого запечатления объекта. Скучная фотография может быть чрезвычайно интересной, будучи помещённой в правильный контекст... и, наоборот, интересная фотография, будучи вырванной из контекста, может стать совершенно невразумительной. "Piss Christ" Андре Серрано захватывает внимание только тогда, когда вы слышите название.

Созданный и внутренний контекст
Различные подписи к фотографии водителя грузовика - это примеры созданного контекста. Что-то вне изображения, что придаёт ему значение. Подписи и заметки - это ни в коем случае не единственный способ создания контекста. Ещё один распространённый и часто очень эффективный способ - помещение изображений в серии. Например, замечательные "American Polaroids" Марка Махера действуют именно так. Если взять отдельный кадр, в нём всё еще останется восхитительная сила, но он будет также очень загадочным, как будто кусочек паззла, рассматриваемый в изоляции от других. Однако, будучи рассматриваемы вместе, будь то листание книги, прогулка по галерее или по Сети, каждая картина даёт силу своим соседям. Начинает возникать узор. Послание Махера раскрывается лепесток за лепестком... или, точнее, послание создаётся в разуме зрителя, вместе с художником и актом погружения в картины. Отдельное изображение больше не представляет собой работу; оно лишь её составная часть.

Комментарий к фото в предыдущем посте: Колосс (Франциско Гойя, 1808-1812)

Однако есть и такие изображения, которые практически не нуждаются в дополнениях. Вам не надо знать ничего про Гойю или про контекст, в котором он писал Колосса, чтобы быть впечатлённым его силой. Это полотно загадочно, и было бы глупо предполагать, что ваши ощущения чем-либо сходны с теми, что испытывал Гойя, когда он писал его - но оно имеет огромную мощь. Субъект - гигант, преследуемый чем-то таким же гигантским, но вне картины - помещён в контекст с помощью панических толп беженцев; или может быть, толпы и есть настоящий субъект, а колосс лишь средство, которое придаёт им значение. В любом случае, полотно содержит достаточно деталей для просмотра и работы воображения. У Колосса есть свой собственный внутренний контекст.

Внутренний контекст, я думаю, есть ключ к силе большинства "хороших" фотографий. Их содержание достаточно для того, чтобы поместить субъекты в контекст. Они не про субъекты, висящие в пустоте - подобные вещи не могут захватить воображение и просто принижают то, что они изображают. Даже люди с самым слабым воображением имеют способности к распознаванию символов, которые заполнят пустоты, если только фотограф даст хотя бы легчайшие намёки, зацепки для разума. Нехватка контекста ведёт к нехватке смысла, а бессмысленные вещи не могут вызвать бурной реакции. Чтобы сделать сильную фотографию, приостановитесь, оглянитесь вокруг; не изолируйте субъект, соедините его с окружением.

Какие пейзажи не скучны?
Большинство пейзажей принижает свой субъект. Они тянутся к великому, а заканчивают соцреализмом. Они пытаются передать ощущение пейзажа, но это ощущение каким-то образом сбегает из кадра и оставляет за собой лишь пустую оболочку красивой картинки, которую так же легко переварить и забыть, как и музыку в лифтах.

Но очевидно, что не все пейзажи скучны. Некоторые пейзажи имеют силы для пробуждения эмоций: радость, торжество; отражение лица Господа. Их секрет тот же, что и для любой другой фотографии. Они имеют значение, смысл. Они открывают спрятанное, хватают нас за лацканы, трясут и кричат "СМОТРИ!" - или шепчут нам, показывая то, что мы должны были увидеть, но не увидели. Они приобретают смысл так же, как любое другое изображение приобретает смысл: они содержат достаточно узнаваемых вещей, чтобы втянуть нас внутрь, и и показать нам что-то новое. Они делают то, что может только фотография.

Примечание к фото: Пейзаж. Фотограф: Ed Leys. Все права сохранены. Использовано с разрешения.

спасибо за статью! Второй год ломаю голову, что у меня "не так" с пейзажами... люблю открытое пространство, а оно на фотографии "сворачивается". Оказывается, объективная проблема...

Не за что. К сожалению объектив не в состоянии передать то, что видит глаз. Строение глаза таково, что только небольшое пространство изображается в резкости, а остальное размыто. Мозг сам собирает картинку в единое целое. Вот и получается, что мы вырываем заинтересовавший объект глазами, а камера фиксирует и его и окружающее. Чтобы сделать пейзаж привлекательным, приходится сознательно выделять разными способами интересный объект или, если природа или человек постарались, делать панорамные снимки

Я еще думала, как "ловить" эмоции в пейзаже. Пока додумалась до того, что дело - в деталях. Только их сознательно не всегда фиксируешь.

подразумеваете под эмоциями? Я слышал о таком варианте, как фотография - настроение. В этом случае фотографу надо передать свое ощущение, восприятие. Если снимаете спокойное утро - желательно чтобы все было спокойно: и объекты без быстрых резких углов, движений, композиция уравновешенная. Если напряженный сюжет, предгрозовое состояние, то постараться передать это напряжение, за счет движения ветра, более темной верхней части за счет темных облаков...

Эту фотографию снимал при немного штормящей Ладоге. Сюжет давно задумывал, оставалось только воплотить. Здесь, за счет достаточно длинной выдержки удалось показать динамичность волн, набегающих на берег. Горизонт при обработке пришлось немного наклонить вправо, чтобы уравновесить динамику волн. Снимал со штатива, выдержку подбирал экспериментально. Более короткая заморозила бы движение и убрала динамику из кадра. Более длинная - превратила бы поверхность воды в туманное облако и напряжение пропало бы, а ему на смену пришло бы спокойствие.
Немного подкорректировал воздушную перспективу - полоска леса была более яркой. Когда приглушил ее, картинка получила дополнительный объем. Ну и камень, который незыблемой стеной стоит на пути волн и своей неподвижностью создает контраст. Не смотря на то, что сам по себе он не очень интересен, но он стал композиционным центром фотографии и поставил последнюю точку.

Как то так...

я говорю о чем-то близком. Желание поймать и передать эмоцию. Вот пример: прошлым летом я оказалась проездом (буквально проездом - часа на два) в городе Пошехонье. Жара за 30, три часа дня, огромная центральная площадь - и ни души! Ни единой машины! Какое-то сонно-замедленное состояние, совершенно нереальное.
У меня не получилось сфотографировать так, чтобы хоть чуть-чуть это передать. Ну, площадь как площадь. Теперь думаю: деталей не хватило. Например, если бы в тени куста лежали вместе собаки и кошки и тут же голуби прятались...

Похоже вы глубже пытаетесь капнуть - это уже жанровая работа. Здесь действительно всю атмосферу может передать какая нибудь деталь. Но не просто лежащая в тени собака, а с высунутым языком и, например, пустой миской для воды перед ней. Чтобы жажда читалась. Возможно можно было поднести фотоаппарат к какому нибудь темному нагретому предмету, чтобы горячий клубящийся воздух создал небольшие искажения.

Посмотрите работы Картье Брессона, Игоря Мухина. Они как раз очень ярко передают такие сюжеты. Без привязки к людям. Хотя город совсем без людей смотрится немного страшновато.

посмотрю обязательно!
Ваши темы действительно помогают многое понять...

Ансел Истон Адамс родился 20 февраля 1902 года в Сан-Франциско (Калифорния), в семье, принадлежащей к высшему классу. Его отец был успешным бизнесменом. Прадед Адамса основал и построил успешный лесопромышленный бизнес, который отец Ансела покинул, так как был склонен к наукам. Сам же фотограф впоследствии будет выступать против промышленной вырубки лесов.

Мать фотографа, Оливия, была родом из Балтимора. А ее дед успешно занимался грузоперевозками. Но из-за неудачного вложения в горную промышленность и недвижимость он потерял большую часть своего состояния.

Когда Анселу было 4 года, в Сан-Франциско случилось крупное землетрясение, во время которого будущий знаменитый фотограф сломал нос, так навсегда и оставшийся кривым. Адамс был активным, но в тоже время часто болеющим ребенком. Он не слишком любил заниматься спортом не хватало терпения, а вот природа всегда привлекала Анселя. Его часто можно было застать за собиранием жуков и изучением близлежащего пляжа. Когда отец мальчика купил телескоп, они вместе с сыном много времени проводили, изучая окружающий мир.

Ансела развивали в духе философии трансцендентализма Ральфа Уолдо Эмерсона, следуя которой человек должен жить скромно и добродетельно, быть ответственным перед человеком и природой. После смерти деда и паники 1907 года бизнес семьи Адамсов стал нести крупные финансовые потери, и уровень их жизни заметно снизился. Ансел сменил несколько частных школ и, в конце концов, с 12 лет стал учиться на дому.

В молодости Ансел сильно увлекся музыкой. Его фотографическая память помогла ему быстро освоить ноты и научиться играть на пианино. Однажды тетка подарила Анселу книгу "В сердце Сьерры". Его сильно вдохновили фотоработы Джорджа Фиске из этой книги, и в 1916 году Ансел убедил родителей поехать на отдых в район национального парка в долину Йосемити. С тех пор Адамс посещал Йосемити ежегодно до конца жизни.

В том же году родители подарили Анселу бокс-камеру Кодак модели Box Brownie. В Йосемити Адамс начал фотографировать, там он сделает свои самые знаменитые снимки. Через год он вернулся в парк с более качественным фотоаппаратом и штативом.

Зимой 1917 года Ансел работает в фотолаборатории Сан-Франциско, а также читать журналы по фотографии, посещать встречи клубов любителей фотосъемки и фото-выставки.

Ансел Адамс увлеченно занимался альпинизмом, что впоследствии очень пригодилось ему при съемке. В 17 лет Адамс стал членом клуба по охране природы Сьерра Клуб и постоянно принимал участие в восхождениях на горы Сьерра Невада.

Однако в то время Ансел все еще серьезно увлечен музыкой, он решает сделать музыкальную карьеру и стать профессиональным концертным пианистом. Но все же тяга к фотографии пересилила, хотя о музыке он никогда не забывал.

В 1919 году он заболевает смертельно опасным вирусом гриппа, свирепствующим в то время в мире, но все же его организм смог побороть болезнь. Все лето после выздоровления Адамс посвящает походам и фотографии, а остаток года он работает над улучшением игры на пианино.

В 1921 году, во время очередной поездки в Йосемити, Ансел знакомится с семьей Гарри Бэста. Особо он подружился с 19-летней дочерью главы семейства - Вирджинией Бест. Их сблизил общий интерес к альпинизму и страсть к классической музыке. 2 января 1928 года они стали мужем и женой.

В первые два года брака Ансел разрывался между музыкой и фотографией. На окончательное решение в выборе карьеры Адамса повлияло знакомство с апологетом "чистой фотографии" Полом Стрэндом (Paul Strand).

В 1932 году Ансел Адамс объединяется фотографами Эдвардом Уэстоном, Фредом Арчером, Уильямом Ван Дайком и Имоджен Каннингем. Вместе они создают "Группу f64". Их целью становится борьба за продвижение "чистой или прямой фотографии" и против фотографии пикториальной.

В марте 1933 года Адамс познакомился фотографом Альфредом Стиглицом. Тот был очень впечатлен работами Ансела. В ноябре 1936 года Стиглиц организовал выставку работ Адамса.

Именно тогда и началась активная творческая деятельность Анселя Адамса. В 1935 Адамсу получил в наследство фото-бизнес зятя Гарри Беста, который существует и сейчас под именем Галерея Ансела Адамса. 30-ые годы станут наиболее плодотворными и экспериментальными в творчестве Адамса.

Ансел Адамс был одним из основателей журнала Апертура. В 1953 году Адамсу вместе с Доротеей Ланг для журнала Лайф делал фотосессию о мормонах, живущих в штате Юта. Номер имел необыкновенный успех.

В период между 1944 и 1971 годами Ансел Адамс трижды был награжден грантами Гуггенхайма на фотосъемку американских национальных парков. В Йосемите Адамс и Эдвард Вестон организовали фотомастерские, существовавшие под покровительством американского форума Camera Photographic Forum.

В 1966 году Американская академия гуманитарных и точных наук выбрала Адамса своим членом, а в 1980 году он был награжден президентом Джимми Картером Президентской медалью Свободы за непрекращающиеся попытки защитить Минаретскую дикую местность в национальном заповеднике Иньо. Эта местность была переименована в его честь. Одна из гор в Сьерра-Неваде также была переименована в его честь. Ансель Адамс умер 22 апреля 1984 года в возрасте 82 лет от остановки сердца, усугубленной раком.

Мадридский фотограф Хосе Мария Родригес Мадоз (Jose Maria Rodriguez Madoz) больше известен под псевдонимом Чема Мадоз.

Его черно-белые сюрреалистические фотографии пользуются огромной популярностью: их можно найти в 20 коллекциях по всему миру.

Выставлялись его работы и в России.

Фотографии Чемы Мадоза показывают зрителям необычные свойства предметов, раскрывают их с неожиданных сторон.

Они порой абсурдны, а порой смешны, но именно этим и привлекательны.

Сайт фотографа гул в помощь.

На этих фотографиях хорошо просматривается идея автора и ее исполнение.

Предметы, изображенные на снимках, возможно вы видели или брали в руки десятки сотни раз, но ни разу вам не пришла мысль посмотреть на них с такой точки зрения или сделать такое.

Это концептуальное фото.

Оно, в силу своей документальности, изображает реальное, но в непривычном виде.

Казалось бы, что проще: взять вещи из обихода и наснимать таких шедевров...

Попробуйте... Потом покажете результат.

Можно в этой теме.

для меня фото представляется только в классическом варианте...
портретное, документальное, наверное, такое называется репортажное, и ещё конечно, где красивое тело... обнажёнка вообщем)))

Поищи в инете работы Неоромантики...

вот одно из...)))

одна из многих..."Обеденная трапеза " называется...

Эйфория полёта...

Я имел ввиду другие работы...

а ты про что?... почему я тебя не поняла?

возможно речь об этом?

не поняла, что это такое?... боюсь, я подумала не о том...

примерно такие работы, только у нее еще серия была без острых предметов.

Сегодня посмотрим работы интересного фотографа Майкла Хансена (Michael Heinsen)

Майкл Хайнсен живет и работает в Гамбурге.

Он наиболее известен как рекламный фотограф.

Все его снимки очень позитивны и оптимистичны.

Он снимает улыбки и радость.

Создавая такие красочные фотографии, Майкл доказывает, что ежедневная наша жизнь полна юмора, в ней много улыбок и отличного настроения.

Интересно у него построение сюжета.

Казалось бы скучная стена и пара моделей. Что тут может быть интересного?

Но всего лишь мелок и немного фантазии, и картинка оживает.

Не последнюю роль играет обработка.

И выбор оборудования.

Эмоции, как всегда, вне конкуренции.

Больше работ смотрим в инете.

И еще пример, как можно снять в офисе при обычном свете из окна

Тоже простой портрет, но уже с дополнительным светом.

Запись на фотокурсы продолжается. Тема "Предложение".

Интересно,... это фотошоп... или... мастерская работа дизайнера, стилиста?)))
Андрей, извини, что такую тему впендюрила...
Знаю, что тебе не очень нравится такое, но решила воспользоваться случаем пока тебя нет)))
Хмм... всё-таки тоже забавные фотоработы, согласись...
И мне просто нра всё необычное... голубое-розовое)))
хахахаха)))

Не поймёшь, какая половина лица красивее... женская или мужская?)))

Всё таки серые глаза... холодный типаж... расчётливый... сложный тип)))
Неужели это фотомонтаж?... я про работы...

Другой типаж... мягкие, пухлые черты лица... и кто сказал, что полнота не к лицу?)))

Вот вам, для тех, кто любит блондинок...)))
Какая разница во взгляде... я про разность взглядов мужского и женского на происходящее)))

Вот вам, ещё одна красавица...
Мне кажется, когда нет на лице макияжа, грима... оно, это лицо как открытое настежь окно...
в него можно заглянуть... и кое-что увидеть... понять...
С маской на лице... сложнее для других, для окружающих, макияж для них, как отвлекающее пятно... амулет от сглаза))

Ну, и кто сказал, что мужская красота чем то отличается от женской?))) аха...

Всё же... убеждена, я склонна к симпатиям больше в мужскую сторону...
и это радует...

Какие детали... я про отдельные черты лица...)))
Пухлые губы... чувственный рот - это эротично... и без ботекса кажется, натурель...

я не профи, но кажется это все же мастерство стилиста, лица 100% мужские

Почему здесь автор решил изобразить женскую сторону лица в такой категоричности, не знаю..
Как говорится... художнику виднее, он так видит мир...
Одно могу сказать, ...
современное и женское и мужское лицо красиво, не в классическом традиционом понимании правила "золотого сечения", нет,...
лицо является, может быть красивым, если...
на женском лице выражение нежности, искренности, женственности... чувственности... если, открытость взгляда...
А мужское лицо... как всегда... благородно и красиво, если оно мужественно... и на нём запечатлён отпечаток ума и интеллекта)))

аха... сорри, если не все со мной согласны с этим... у каждого своё видение красоты...

Интересная подборка. Наверно соглашусь с Чародейкой - лица скорее всего мужские. Практически на все фотографии кроме последней можно сделать без вмешательства фотошопа. Ну при желании конечно. Может так и делались. Пол лица старательно бреют и наносят женский макияж. В глаза - цветные линзы. А вот на последней немного смущает форма глаза и носа.

с какой Чародейкой?)))

А руки?... а руки на некоторых фото просто жуть какие женские...
и шестая фография меня смутила... там не соответствие в подбородках... нет?

Сегодня зашла в фотомагазин... покупала там маленькие рамочки... надо мне...
Так вот, зашёл мужчина и спрашивает у продавца : А вы можете сделать фото в рубашке и в галстуке, мне на загранпаспорт надо?
Продавец-парень ему отвечает... Да не вопрос... Разденьтесь только до пояса...
Я подумала, ... хорошо, что женщине не надо на паспорте быть в галстуке...
Ужс... я так долго бы раздевалась...
)))

Это объявление для жителей и гостей домика у кого есть дети.

Вы довольны теми фотографиями, которые делают в школе? Все ли в них устраивает? Если нет - пишите в личку. С удовольствием помогу исправить эту проблему. Качественно и не очень дорого. Индивидуальный портрет - 150р, Общая - 250р. Каждая фотография проходит индивидуальную обработку.

Условия работы: в условленный день прихожу и фотографирую класс. Через несколько дней приношу на диске слайдшоу, где каждая фотография пронумерована. Через неделю - две (по согласованию с преподавателем) захожу и забираю заполненный бланк, кто и какие фотографии заказал. Еще через 3-4 дня приношу фотографии и получаю за них деньги.

Т. к. есть возможность посмотреть фотографии на ноутбуке или компе перед тем как заказать, после печати возврат не предусмотрен.
В бланк заносятся только после того, как сдаются деньги преподавателю. Возможна передача изображений в электронном виде (только для тех фотографий, которые были напечатаны. Без общей)
Возможна дополнительная печать не успевших сдать деньги преподавателю, при заказе в сумме не менее 25 фото. Передача изображений в электронном виде в этом случае не доступна.

Заинтересовались - пишите в личку. Как маленький бонус: за помощь в поиске заказов, фотографии своего ребенка вы получите бесплатно.

а если в классе всего 12 детей, и никто не захочет портрет?:)))

Весной этого года я фотографировал два класса, которым не понравились работы моего предшественника. Перед съемкой мне сказали, что возьмут только общие фотографии. Хорошо, говорю, давайте я сделаю и общие и индивидуальные, вы посмотрите слайдшоу и выберете те, которые понравятся. Сделал общую, сделал по две фотографии каждого ребенка. В итоге: индивидуальных по количеству взяли больше, чем общих. :)

Если никто портреты не захочет, значит сделаем только общие.

желаю тебе удачи!... и Йуликов с детьми по-больше...)))

Тони Фрисселл (10 марта 1907 - 17 апреля 1988) - женщина-фотограф (США), прославилась, благодаря модным и военным фотографиям, портретами известных личностей и просто интересными моментами.

Фрисселл училась у Сэсила Битона и пользовалась советами Эдварда Стайхена.

Ее первой профессиональной работой стали съемки для журнала Vogue в 1931 году, где ей значительно помог основатель журнала Конде Наст.

Позже Тони работала на Harpers Bazaar.

В 1941 году Фрисселл предложила свои услуги Американскому Красному Кресту, затем работала в 8 воздушной армии.

Она стала официальным фотографом Женского корпуса.

В это время Фрисселл делала снимки медсестер в госпиталях, солдат на передовой, женщин-бойцов и осиротевших детей.

Ее фотографии женщин и афро-американцев на войне использовались в пропагандистских целях.

В 1950-х Фрисселл начала делать фотографии известных и влиятельных людей Европы и США в неофициальной обстановке.

Среди ее работ есть снимки Уинстона Черчилля, Элеоноры Рузвельт, Джона и Жаклин Кеннеди.

Одновременно Тони работала на журналы Sports Illustrated и Life.

В 1953 году она стала первым в истории штатным корреспондентом-женщиной Sports Illustrated и еще долго оставалась одной из немногих женщин, занимавшихся спортивной фотографией.

Сразу видно по работам... Тони Фрисселл - не блондинка...

Xavier Jamonet родился в 1982 году в городе Дром (Франция). Фотографирует с 1999 года. Больше всего любит природу. Необыкновенно красивы его пейзажи. Но также очень неплохо у автора получаются и макрофотографии.

Xavier Jamonet заядлый альпинист. Это увлечение дарит его поклонникам незабываемые впечатления: фотографии гор, сделанные мастером, поистине прекрасны.

Еще больше работ на сайте фотографа - гугла в помощь.

Что привлекает в работах фотографа?

1. Путешествие по необычным местам.

2. Фотосъемка во время, когда большинство еще почит сном в своих кроватях.

3. Умение видеть ритмы...

и контрасты в пейзаже.

В работах фотографа четко прослеживаются классические приемы компоновки кадра.

Увидели? О них были упоминания в предыдущих темах.

Как создать глубину снимка.

Как выделить главный объект.

Более подробно об этом буду рассказывать на курсах.

Автоматика позволяет снимать в большинстве простых ситуаций. Знания - в любых условиях. А развитое видение - позволит увидеть то, что стоит снять.

Сегодня не буду выкладывать работы известных фотографов мира. Хочу поговорить о таком аксессуаре, как вспышка.

Все наверно сталкивались со встроенными вспышками и знают, что это такое лампочка импульсного света, которая включается в темных условиях съемки.

Все верно. Вспышки используются для дополнительного света, когда естественного мало. Но при работе со вспышками есть маленькие хитрости. Да и отношения фотографов ко вспышкам далеко не однозначное.

Давайте рассмотрим технические параметры вспышки и область ее применения.

Итак, выносные вспышки. В зависимости от изготовителя, они имеют некоторое буквенное обозначение, за которым следуют обычно три цифры. Для нас, как пользователей, большее значение имеют эти числа. Называется это число ведущим. Физический смысл этого числа дальность в м, на которой вспышка в полной мере осветит объект, при светосиле 1 и чувствительности пленки или матрицы 100 единиц.

Например, для вспышек Canon используется обозначение speedlite-580ex (-430ex и др.) Это название означает, что у этой вспышки ведущее число 58, и формально при объективе со светосилой 1, при ISO 100 ее мощности хватит на дальность 58 м.

Но не все так просто. Во первых, объективы со светосилой 1 крайне редки. Во вторых, в рекламных целях производители стараются максимально увеличить ведущее число, но при этом, маленькими буквами со звездочкой пишут, что это число верно только для фокусного расстояния, например 105мм. А это значит, что световой пучок формируется достаточно узкий. И на более широком угле он уже не достигнет тех самых 58 метров.

Но все равно, кажется, что 58 м это очень далеко. Это только кажется. Наиболее распространенные параметры диафрагмы для зум объективов с фокусным расстоянием более 100мм 4... 5, 6. Для профессиональных объективов 2, 8.
Теперь можно элементарно посчитать, что если светосила уменьшается на 4... 5 ступени для обычных зумов и 3 ступени для профессиональных (для тех кто забыл, напоминаю диафрагменный ряд 1->1. 4->2->2. 8->4->5. 6... Более подробно см. в первых темах), дальность освещения объекта уменьшается до 1, 5... 3, 5м для обычных зумов и 7м для профессиональных. А это ведущее число топовой вспышки. Что можно говорить о встроенной с ведущим числом 13?

Насколько необходимо применение вспышки? Это решает фотограф в индивидуальном порядке. По возможности, конечно, лучше использовать естественный свет. Учиться видеть его красоту. Иногда лучше увеличить ISO, чем использовать вспышку. Но если повышение чувствительности в разумных пределах не помогает, тогда уже использовать вспышку. Но опять же по возможности не направлять ее прямо на объект съемки, а попробовать отразить от какой либо светлой поверхности для получения рассеянного света. При этом надо понимать, что если поверхность имеет какой либо оттенок, то отраженный свет будет окрашен в этот оттенок. Возможно использование рассеивателя на вспышке. Ну и самый сложный вариант использование нескольких вспышек, для создания управляемого светового рисунка.

Недавно снимал в церкви крещение. В первом посте, на прикрепленной фотографии, батюшка сфотографирован со вспышкой. Казалось бы, все подробно видно, почти нет теней. А в этом посте, на картинке, тот же батюшка, но сфотографированный без вспышки. Как говорится на вкус и цвет товарищей нет, но вторая работа мне кажется более живой и естественной. Пространство на ней не ограничено областью работы вспышки, как на первой.

Более подробно работу вспышки с примерами будем рассматривать на фотокурсах.

В ответе в предыдущей теме я написал, что живые фотографии интереснее компьютерной графики. Посмотрите работы замечательного английского фотографа Артура Стила.

Артур Стил (Arthur Steel) знаменитый британский фотограф.

Работал в газете SUN с 1969 по 1989 год.

Фиксировал серьезные политические моменты, значимые спортивные события, жизнь знаменитостей.

А еще у него есть огромное количество фотографий, пропитанных тонким юмором.

Он умел видеть юмор даже во время серьезной работы, например, на свадьбе принца Чарльза и леди Дианы.

Кстати, он был одним из трех фотографов (а всего их было 150), которые сумели запечатлеть поцелуй Чарльза и Дианы.

Мало того, ему, кроме новобрачных, удалось захватить в кадр и других членов королевской семьи.

Большее количество работ можно посмотреть на сайте автора гугл и яндекс в помощь.

Еще немного.

На яхте...

Вот она, живая фотография...

Я люблю такие фотоработы... ты прав, они, фотографии, живые...

На примере работ этого фотографа, попробуйте самостоятельно разобраться, как меняет воздействие на зрителя обработка изображения.

Дейв Хилл фотограф, отличающийся от других неповторимым стилем создания и последующей обработки фотографий.

Каждая его работа это отдельная история, которую можно прочитать, глядя на изображение.

Каждая деталь в них продумана, каждая мелочь играет роль.

Многие его цветные работы сложно назвать фотографиями это скорее картины.

Но и черно-белые его снимки не менее удачны.

Кстати, для тех, кто сомневается, что его работы действительно фотографии, на сайте Дейва в его блоге есть видео, демонстрирующее процесс работы над снимками.

Стиль постобработки Дэйва пытаются повторить многие, в сети даже есть уроки по созданию фотографий "... в стиле Dave Hill".
Фотошопа здесь побольше...

Вот только не каждому это удается.

Сайт фотографа яндекс или гугл в помощь.

Если здесь что то и дорисовано в фотошопе, то только мелочи...

Тоже вполне простая статичная фотография. Динамика создана в фотошопе.

Казалось бы, простой портрет, а выглядит выразительно

То же самое.

возникает вопрос: а что, собственно, такое- фотография? Можно ли считать изображение несуществующего события фотографией? Или это какой-то другой вид искусства?

Это сложный, можно сказать философский вопрос.
Фото графия - это, в дословном переводе, рисунок светом. Когда она только появилась, она была документальна по определению, хотя и тогда уже первые манипуляторы, при печати изображения пытались избавиться от недостатков, которые были на негативе путем маскирования или засвечивания. Т. е. отпечаток мог несколько отличаться от негатива, хотя при маскировании и засвечивании все равно использовался свет.

Раньше, когда фотограф задумывал произведение, он выбирал под него пленку - контрастную или не контрастную, высокой чувствительности с крупным зерном или низкой чувствительности с мелким. При съемке он мог переэкспонировать или недоэкспонировать кадр, чтобы затем при проявке компенсировать увеличенным временем проявления или наоборот уменьшенным. При печати фотограф опять же выбирал тип бумаги и снова недоэкспонирование, нормальную печать или переэкспонирование... Методов было много.

Сейчас, в эпоху цифровой фотографии, все стало гораздо проще и ллегче обрабатывать. И главное контролируемо. Жизнь разввается и фотография тоже трансформируется.

В моем понимании фотографией можно назвать только ту работу, методы обработки которой соответствуют обработке пленочного негатива и ручной печати с него. Все остальное - коллаж или компьютерное искусство. Хотя у других людей может быть и другое мнение. Однозначно тут вам не ответит никто.

Если воспринимать ваш вопрос дословно, то если события не было, то и на изображении, полученном с помощью фотоаппарата его быть не может. Картинку вполне возможно нарисовать в программах графического дизайна, например в 3D-max. Это в чистом виде компьютерная графика.

Если изображение все же делалось с помощью фотоаппарата, а затем собиралось из нескольких фотографий, и в результате из кусочков реальных событий получилось событие которого не было, это можно назвать коллажем, фотомонтажем (более простой вариант) или компьютерной обработкой.

В моем видении - как то так. Сам я компьютерной графикой занимаюсь очень редко. Раньше раньше почаще.

Например для этой работы использовалось три фотографии: из разрушенного храма, фотография с плющом и фотография с моделью из студии.

А на этой - фон, за исключением плюща и скульптуры, полностью нарисован. Скульптурой послужила модель с одной из предыдущих съемок.

Но живая фотография всегда интереснее.

спасибо за ответ. Наверное, можно согласиться... насчет компьютерной графики.

Недавно довелось побывать на авиашоу, посвященном 100-летию ВВС России. Попасть было не легко, приглашений было мало и разлетелись они мгновенно, но все же нелегально нас провезли на летное поле.
На примере этой съемки расскажу как снимать спортивные мероприятия. По сути - это одно и то же. Надо снять быстро движущийся объект.

Спортивная съемка пожалуй единственная, где существенное значение придается выдержке. Она является определяющей, так как на длительной объект получится смазанным.

Простой случай - когда выдержка очень короткая, остается только поймать объект в фокус и нажать спуск.

Но как показывает практика, такие снимки получаются не очень интересными, разве что на них представляет интерес сам объект съемки. В спорте или динамичной съемке важно показать динамику, движение обекта...

Как вариант - показывается траектория объекта или то, что он изображает.

В данном случае картинка получилась статичной, но хвост из дымов показывает движение и создает композицию кадра.

Очень удачно передается динамика за счет движения объекта по диагонали.

На снимке хоть и не четко по диагонали, но за счет того, что самолеты приблизились к краю кадра и крупного кадрирования, они стремятся отодвинуть границу, просто толкают ее вперед.

На этом снимке диагональ более четкая, но за счет большого пространства динамика теряется, кажется, что самолеты неторопливо и вальяжно движутся в левый верхний угол.

Иногда в спортивной съемке оказывается удачным показать крупно объект съемки. Его положение, может быть интересный ракурс.

Блик над кабиной однозначно говорит о том, что самолет находится в перевернутом полете.

На фотографиях крупным планом, деталью подчеркивающей динамику может быть выхлоп, дым от тормозов, небольшой смаз в направлении движения.

При съемке быстро движущихся объектов часто используется метод проводки. Заключается он в том, что фотоаппарат движется за объектом съемки. В этом случае возможна съемка на несколько более длительных выдержках, чем при неподвижном фотоаппарате, и для неподвижных объектов появляется дополнительный смаз.
тот же прием можно использовать при съемке объектов движущих друг на друга, когда не известна точка их встречи. В этом случае следите за одним объектом и стараетесь поймать мимолетный момент встречи.

Но при всем этом, надо не забывать и о красоте кадра.